EL TICKET

RECUENTO DE LA DÉCADA: 10 actrices principales favoritas.

2010-03-30T16:08:00.018-05:00

Con esta entrega creo que finaliza el RECUENTO DE LA DÉCADA en cuanto a las categorías actorales (que supongo son las preferidas de muchos).

He decidido dejar para el final la categoría que, desde mi punto de vista, es la más apasionante.

Cada una de las mujeres seleccionadas en este grupo de diez es fabulosa y, en muchos de los casos, han brindado más de una actuación fuera de serie durante la década. Las diez finalistas también son actrices de alto calibre... y hay nombres que quedaron fuera pero que a mí me encantaron, como Sarah Polley en Mi vida sin mí, Catalina Sandino Moreno en María llena eres de gracia, Kristin Scott Thomas en Hace mucho que te quiero y Julia Roberts en Erin Brockovich.

Mi selección final incluye todo, actrices sobrevaloradas, actrices infravaloradas, personajes graciosos, personajes sin gracia alguna, mujeres de la alta sociedad, mujeres de clase baja, etc. y eso me gusta porque hay enorme variedad en mi lista.

... Y, mis diez actrices principales favoritas de la década son (en orden alfabético):

Joan Allen en Más allá del odio

La primera impresión que genera Allen en el protagónico de este correcto melodrama es que se encuentra dentro del selecto club de señoras que pueden elevar la calidad de prácticamente cualquier film. Allen es indisputablemente la más graciosa, interesante y sensual mujer enojada que he visto en mi vida. Más allá del odio es uno de los mejores ejemplos de cómo utilizar al cien por ciento el talento, la belleza y la agudeza de una mujer madura excepcional. En definitiva, Joan Allen, se confirma como una de las mejores – y más infravaloradas – actrices contemporáneas.

Drew Barrymore en Grey Gardens

Al igual que muchos, yo no me tomaba a Drew Barrymore tan en serio (me gustaba con moderación y me parecía que, como comediante, tenía un potencial no siempre bien aprovechado), hasta que la vi en Grey Gardens. Barrymore despierta a la grandiosa actriz que vivía en su interior para transformarse en la excéntrica prima de Jackie Kennedy, Edie Bouvier, y representarla desde su época de irresistible “chica dorada” hasta su ocaso como una inestable mujer madura sumida en la miseria de “los olvidados” de la alta sociedad.

Laura Dern en Ya no somos dos

Representar la brutalidad y las pasiones que afloran durante un matrimonio en crisis puede resultar muy de telenovela, sin embargo, Dern elimina todo atisbo de melodrama barato para configurar, valiéndose de una elocuencia admirable en sus gestos y expresiones, un personaje auténtico, potente, honesto y tan repelente como simpático… como un ser humano real.

Ashley Judd en Bug

La chica guapa y moderna de varios thrillers policíacos y comedias románticas desaparece para dar lugar a una mujer que pasa de la miseria al desconcierto y del horror a la alienación total en una de las apuestas más arriesgadas del cine de terror con connotaciones artísticas. Judd aparece tan imbuida en el papel que cada línea posee una resonancia especial y cada close up estremece y aporta interesantísimos elementos a su difícil personaje.

Melissa Leo en Frozen River

Lo que más adoro de Leo en esta película es que realmente no puedo olvidarla. Hay varias escenas específicas que recuerdo muy bien (por ejemplo, cuando dice “estoy cansada de que me roben”) y en todas, Leo, cautiva con su manera de absorber el papel, de vivir el drama de una mujer en una situación desesperada y de inyectarle humor en los momentos menos esperados. La impresión general que produce Leo es que no es una actriz en una película sino una mujer que realmente vive en una pobreza angustiante y es filmada segundo a segundo para un documental.

Gretchen Mol en The Notorious Bettie Page

Con chispa, humor y naturalidad, Mol, logra el milagro de la transfiguración. Gracias a un retrato de Bettie Page (la pin-up girl más famosa del mundo), que no es solo físicamente convincente sino también asombrosamente humano, Mol crea un festival delicioso para los ojos y sustancial para las emociones.

Julianne Moore en Lejos del cielo

En este caso, Moore, se encuentra en un drama deliberadamente anacrónico, sin embargo, su actuación es efectiva y contemporánea. Los momentos en los que parece que habrá una rabieta, la querida Julianne, se revela como una actriz que domina el arte de contener el drama, de absorberlo, de vivirlo y de canalizarlo de manera vívida y magistral. Su retrato de una mujer de los años 50, quien descubre que su vida es como la de un hermoso pájaro encerrado en una jaula de oro, es apasionado sin descuidar la mesura que lo hace creíble y es inteligente sin soslayar el vendaval de emociones que lo alimenta.

Meg Ryan por En carne viva

Esta es la respuesta para quienes se preguntaban cómo es el lado oscuro de Meg Ryan. No a todos agradará ver a la rubia virginal de Tienes un Email en un papel tan diferente (aunque “diferente” aquí es un término que no basta) pero la realidad es que esa sensación de estar fuera de lugar hace que la presencia de Ryan, en un thriller con una carga erótica tan fuerte (el sexo se puede prácticamente oler en cada escena), sea una completa genialidad. Yo podría escribir varias páginas sobre las dimensiones, los matices y las provocaciones de la poderosa interpretación de Meg Ryan pero me limitaré a decir que nadie ha representado la urgencia sexual de una manera tan intensa, oscura, desgarradora y orgánica como esta menuda actriz, quien parece haber reencarnado en otro ser para protagonizar esta película.

Meryl Streep en Julie & Julia

Cuando supe que Meryl Streep interpretaría a Julia Child, ingenuamente me pregunté: ¿Podrá hacerlo?... Luego de ver la película lo único que puedo decir es: “Ya es oficial, no hay nada que Meryl Streep no pueda hacer… si me dicen que interpretará a Mussolini en la precuela de Inglorious Basterds, lo más seguro es que obtendrá su nominación al Oscar #17 por ese papel.”

Streep realizó una buena cantidad de actuaciones meritorias durante la década, no obstante, elijo Julie & Julia como mi preferida porque es la última y siempre tengo la sensación de que con cada nueva interpretación, Meryl, se supera a sí misma. En concreto, su personificación de Julia Child es prácticamente un hito... poniéndola en términos culinarios, es cálida y suave como la mantequilla, dulce como una manzana acaramelada y tiene ese gustito delicadamente sensual del condimento fuerte que en la medida correcta es una fuente de placeres inconmensurables para el paladar.

Uma Thurman en Ciegas de amor

Yo sé que el papel que definió la carrera de Uma Thurman durante la presente década es el de La Novia en la saga de Kill Bill (donde está absolutamente maravillosa… sin discusión admisible al respecto), sin embargo, hubiese preferido que sea el de Debby Miller en Ciegas de amor. En este pequeño drama de corte intimista, Uma, se entrega en alma y corazón a una experiencia tan tierna como desgarradora, encarnando a una mujer cotidiana, y a la vez compleja, quien busca el amor con tal desesperación que simplemente aleja las posibilidades de que éste se presente. La interpretación de Uma es de esas que hacen fluir las lágrimas en los momentos de introspección y dan cabida a las sonrisas cuando revelan los cándidos e idiosincrásicos matices de su personaje.

Mis diez finalistas son: Julie Christie en Lejos de ella, Glenn Close por En la cumbre, Julie Delpy en Antes del atardecer, Anne Hathaway en La boda de Rachel, Jessica Lange en Grey Gardens, Laura Linney en Cuenta conmigo, Anamaria Marinca en 4 meses, 3 semanas y 2 días, Parker Posey en Broken English, Michelle Williams en Wendy y Lucy, Evan Rachel Wood en A los trece.

RECUENTO DE LA DÉCADA: 10 actores principales favoritos.

2010-03-21T22:26:00.022-05:00

Quisiera que alguien me explique qué sucede conmigo en la categoría de actor principal... Los caballeros que he seleccionado como mis favoritos en este apartado son todos sensacionales pero en su gran mayoría interpretan personajes demasiado dañados y diametralmente opuestos al prototipo de héroe. A veces pienso que Gregory Peck y James Stewart jamás creerían que los héroes a la antigua - como ellos - ya no son los que dominan el panorama interpretativo actual.

La soledad de la senectud, el poder destructivo del alcoholismo, las garras de la pedofilia y la violencia sexual, son algunos de los tópicos que abordan las películas en donde actores talentosos nos han brindado caracterizaciones ejemplares durante la etapa comprendida desde el 2000 hasta el 2009.

Los papeles no han sido nada fáciles pero los resultados en estos casos han sido óptimos.

... Y mis diez actores principales favoritos son (en orden alfabético):

Kevin Bacon en El leñador

Bacon ha interpretado depredadores sexuales en otras oportunidades pero lo que hace en esta película es diferente. Él logra darle un giro humano al rol de un pedófilo que lucha por reinsertarse a la sociedad y nos conmueve cómo sobrelleva la marginación y su constante lucha contra sí mismo.

John Cusack en Alta fidelidad
La noción de un amante de la música que lleva adelante una de las últimas tiendas de discos de vinil - en esta época - es conmovedora. Cusack es perfecto para transmitirlo todo en una actuación que se siente real todo el tiempo, fresca como sus maravillosos diálogos en el film y divertida como la memorable banda sonora.

Michael Douglas en El rey de California
Yo pertenezco al club de personas que creemos que a Douglas no se le ha dado todo el crédito que merece como actor (sobre todo en esta última década) y por eso resalto especialmente su trabajo en esta pequeña comedia indie donde se mueve con maestría entre las delgadas líneas del drama y la comedia para crear un Don Quijote moderno e inolvidable.

Paul Giamatti en Entre copas
En la película hay momentos de humor explosivo así como instantes de marcada introspección, en ambos aspectos Giamatti no solo se consolida como un cómico talentoso y como un actor dramático solvente (al mismo tiempo) sino que logra esa conexión trascendental con el público y vende a la perfección la metáfora del vino y el paso de los años.

Joseph Gordon-Levitt en Piel misteriosa
La interpretación de Gordon-Levitt me partió el corazón.... Ya sé, ya sé que suena como un cliché pero solo quien ha visto la cruda, hipnótica, provocadora, intensa y valiente caracterización de este joven prodigio del cine indie puede comprender lo brillante y abrumador que es su retrato de un chico que conoció el sexo (y casi al mismo tiempo, su poder de atracción sexual) demasiado pronto.

Ed Harris en Pollock
Un gran actor personificando a un gran artista. Me encanta la obra de Jackson Pollock y me fascina la forma sensible e inteligente por medio de la cual Harris se aproxima al personaje absorbiendo sus gestos y exteriorizando de una manera muy poderosa sus angustias y, especialmente, esa fuerza autodestructiva que parecía estar siempre allí, en el aire que respiraba.

Richard Jenkins en El visitante

¿Cuándo no es genial Richard Jenkins?... Luego de muchos años de papeles secundarios y de carácter, finalmente llegó el momento de conducir de principio a fin SU película, con él como "el prota", "el principal", y yo no puedo estar más satisfecho con el resultado. Un hermoso, inteligente y sensible retrato de un hombre sumergido en la rutina cuya vida cambia de color con la llegada de un visitante.

Jack Nicholson en About Schmidt
Por el simple hecho de que Jack Nicholson sale de la burbuja en la que se metió cuando descubrió el irresistible poder de su propia persona para vender un personaje o una película, su actuación en esta cinta puede ser la segunda mejor de su carrera (lo siento, pero yo simplemente lo adoré en Five Easy Pieces) y eso es decir mucho.

Sean Penn en Mi nombre es Harvey Milk
El estilo por el que optó Gus Van Sant, para filmar esta película, exigía que los actores no parezcan actores sino personas reales y Sean Penn logra una transfiguración portentosa. No hay un solo momento de la cinta en el que yo no haya estado convencido totalmente de todo lo que Penn debía convencerme y, honestamente, me sentí conmovido e iluminado de principio a fin con el amor, el compromiso político y la integridad que le atribuyó a Harvey Milk.

Jürgen Vogel en El libre albedrío
Este drama alemán acerca de un violador compulsivo, contiene algunas escenas que seguramente fueron difíciles de filmar y, en general, el papel de Vogel es muy complejo pero de alguna manera milagrosa él consigue que lo acompañemos en un recorrido lacónico, deprimente y sin esperanza hacia una soñada redención que quizás llegue, o quizás no.

Mis diez finalistas son: Jim Broadbent en Longford, Nicolas Cage en El ladrón de orquídeas, Leonardo Di Caprio en El aviador, Ethan Hawke en Tape, Philip Seymour Hoffman en Los Savage, Anthony Hopkins en Burt Munro: un sueño, una leyenda, Karl Markovics en Los falsificadores, Bill Murray en Perdidos en Tokio, Ben Kingsley en Elegy y Michael Shannon en Bug.

RECUENTO DE LA DÉCADA: 10 actrices secundarias favoritas.

2010-03-12T21:11:00.019-05:00

Hay categorías en las que seleccionar a diez favoritos (o favoritas, en este caso) es una tarea casi imposible.

El apartado de actrices secundarias es un verdadero dolor de cabeza. Aquí no solo cuenta la cantidad de papeles femeninos secundarios interesantes que se han presentado en las películas desde el año 2000 hasta el 2009, sino la calidad de los mismos.

Hay leyendas del cine (Maggie Smith en Gosford Park), estrellas de Oriente (Tabu en El buen nombre), rostros conocidos de la TV (Marg Helgenberger en Erin Brockovich) y las revelaciones del nuevo milenio (Abigail Breslin en Pequeña Miss Sunshine), pero lamentablemente solo tengo diez espacios para destacar y diez finalistas para nombrar.

…Y mis diez actrices secundarias favoritas son (en orden alfabético):

Amy Adams en Junebug

Adams merece un lugar en mi lista por el solo hecho de que me convenció totalmente de que una persona así de inocente y optimista - como la embarazada sureña a la que interpretó - existe en el mundo. Ella es divertida, llama la atención enseguida, parece una niña adulta y la escena en el hospital es conmovedora.

Patricia Clarkson en Vías cruzadas

Moldea el personaje con estilo, le da un atractivo muy especial de mujer madura y uno puede entender su aflicción con solo observar su mirada en la escena en la que aparecen los niños jugando… Clarkson es simplemente espléndida y posiblemente LA ACTRIZ SECUNDARIA de la década por la gran cantidad de papeles secundarios en los que le robó escena a más de una estrella.

Laura Dern en Recount

El punto alto de Laura Dern es que su retrato de la Secretaria de Estado de Florida, Katherine Harris, no solo se parece mucho al personaje real sino que es una genialidad cómica en la medida que la actriz lo transforma en una deliciosa parodia que encaja de maravilla con el carácter de la producción.

Lisa Gay Hamilton en Nueve vidas

Ella hace suya la angustia de Holly. Su mente y su cuerpo están desgastados y quiere acabar con su sufrimiento. La presencia de Hamilton es a ratos incómoda, siempre es conmovedora y revela con una asombrosa perfección detalles no escritos de la historia de su personaje.

Daryl Hannah en Kill Bill Vol. 2

La sirena de Splash nunca en la vida ha estado mejor que aquí. La presencia de Hannah es mefistofélica y constituye un comeback explosivo. Ella es tan venenosa, sensual, peligrosa y maldita como la “California Mountain Snake” (su nombre clave dentro del D.I.V.A.S.) y es una digna rival para la protagonista.

Holly Hunter en A los trece

Mel no es una mujer muy inteligente, es una fracasada en casi todo lo que hace y lidia con un grave problema con su hija adolescente. Hunter es brillante, explosiva y literalmente rompe el piso representando la angustia de la miseria white trash e interpretando a esta mujer multidimensional.

Virginia Madsen en Entre copas

La sencillez y belleza de Maya (su personaje en la película) se manifiestan de adentro hacia fuera y enamoran no solo a Paul Giamatti sino a todo el público. Madsen es fantástica y resume en su actuación el encanto del film pero, sobre todo, ese monólogo acerca del vino es un “tour-de-force” y uno de esos momentos que te tocan el alma cuando ves una película.

Frances McDormand en Amigos con dinero

En medio de un elenco de actrices excelentes, McDormand, se convierte en el corazón de la película y da en el clavo al momento de generar los momentos más cómicos, memorables y delirantes de la misma, dando vida a una mujer atravesando por los locos desequilibrios de la menopausia y las exigencias de la vida urbana moderna.

Carrie-Ann Moss en Memento

La película es rara y las energías de Nolan parecen estar más encaminadas a los vericuetos del guión pero, dentro del reparto, Carrie-Ann Moss es un éxito total. Ella es una actriz con un rostro expresivo y poco convencional. Moss se sirve de esto para representar a una mujer cautivante, manipuladora y maquiavélica.

Uma Thurman en Tape

En condiciones deliberadamente rudimentarias consigue crear un personaje completo, una mujer resuelta atrapada entre el presente y el pasado pero lo suficientemente lista como para ganar en el juego que le proponen. Cada close-up es emocionante y revela algo nuevo. Cuando no está en escena los personajes hablan sobre ella y cuando finalmente aparece, Thurman, se apodera de la película y cada gesto, cada frase es un hit tras otro.

10 finalistas: Shohreh Aghdashloo en La casa de arena y niebla, Emily Blunt en El diablo viste de Prada, Joan Cusack en La escuela del rock, Hope Davis en American Splendor, Taraji P. Henson en Hustle & Flow, Kelly McDonald en No es país para viejos, Saoirse Ronan en Expiación, Gena Rowlands en Ciegas de amor, Meryl Streep en El último show y Tabu en El buen nombre.

P.D. Aquí coincido un poco más con el Oscar. De mis diez favoritas, tres - Adams, Madsen y Hunter - estuvieron nominadas por los papeles que escogí. Pero coincido más con los Independent Spirit Awards, pues cinco - Adams, Madsen, McDormand, Moss, Thurman - de mis diez favoritas aspiraron a ese galardón.

LAS DIRECTORAS.

2010-03-04T10:47:00.006-05:00

La razón por la cual he demorado más de lo normal en actualizar mi blog se debe a que mi monitor se dañó.

Aunque todavía no he solucionado el problema, he aquí una pequeña entrada conmemorando marzo, el mes de la mujer, con una lista de cinco películas dirigidas por mujeres que a mí me fascinan:

The Notorious Bettie Page de Mary Harron. Razones para verla: El colorido de la película, la atmósfera retro y la sensacional actuación de Gretchen Mol.

Ciegas de amor de Mira Nair. Razones para verla: Una historia intimista muy bien dirigida, con Uma Thurman, Juliette Lewis y Gena Rowlands (tres de las actrices más interesantes, por diferentes motivos, ever).

En carne viva de Jane Campion. Razones para verla: Meg Ryan nunca en la vida ha estado más extraordinariamente brillante que aquí y Jane Campion es una "campiona" a la hora de hablar de sexo.

Frozen River de Courtney Hunt. Razones para verla: Un thriller que te mantiene al filo del asiento con Melissa Leo en su primer papel protagónico (luego de más de 30 créditos como actriz de carácter), por el que obtuvo una merecidísima nominación al Oscar el año pasado.

High Art de Lisa Cholodenko. Razones para verla: Las imágenes poseen bellas texturas, es provocadora e inquietante y Ally Sheedy brindó la mejor actuación de 1998 y posiblemente la mejor de los años 90.

Espero que les haya agradado esta selección de cinco películas independientes de gran calidad. Si no han visto alguno o algunos de los títulos mencionados, se los recomiendo ampliamente.

Un cordial saludo y gracias por visitarme.

RECUENTO DE LA DÉCADA: 10 actores secundarios favoritos.

2010-02-16T21:32:00.021-05:00

Ningún recuento de la década puede pasar por alto el tema de los actores y una de las categorías preferidas es la de los personajes secundarios.

Los últimos diez años nos han brindado una galería de personajes impresionantes. Hemos tenido tipos duros y chicos tiernos, en general una gran variedad de papeles desarrollados con talento y dignos de mención en este apartado.

La gama de caballeros destacados en esta categoría es realmente amplia pero si debo elegir mis diez preferidos, éstos son (en orden alfabético):

Yvan Attal en Bon Voyage
Inmerso en un elenco estelar de grandes figuras del cine francés, Attal, consigue llamar la atención. Me atrevería a decir que se roba casi todas las escenas en las que aparece con su carisma y vende la imagen de tipo astuto y buena gente a la perfección.

Alec Baldwin en No es tan fácil
Lo más probable es que la interpretación de Baldwin en este entretenimiento menor pase desapercibida pero la verdad es que desde 30 Rock lo Baldwinesco de Alec nunca estuvo mejor utilizado que aquí, donde demuestra un encanto cínico maravilloso, capacidad para la comedia fina y una gran química con Meryl Streep.

Jim Broadbent en El arte de estrangular
Si alguien me pidiera que le explicara el nihilismo con una imagen, la imagen que yo utilizaría sería sin duda Broadbent en esta película. La actuación es sensacional, es más grande que la película en sí y te acompaña hasta bien pasados los créditos finales.

James Franco en Mi nombre es Harvey Milk
Franco personifica a un ser tan fresco y amoroso que sencillamente es imposible no comprender porqué el protagonista de la película lo amó toda su vida. Franco hace que las líneas suenen reales y su actuación es tan natural y sincera que ni siquiera me acuerdo de que es el actor de otras cintas no tan buenas.

Ed Harris en Las horas
La verdad es que a mí me gustó mucho la película en general pero viéndolo en retrospectiva, ¿no es Ed Harris lo mejor? Yo diría sin miedo que sí, él expresa las emociones más profundas con una ferocidad que hace que las escenas no solo funcionen a la perfección sino que compelen, repelen, provocan las reacciones más puras.

Richard Jenkins por En tierra de hombres
En una cinta donde la imagen de los hombres está presentada bajo un prisma maniqueo, la actuación de Jenkins es un alivio. Él no representa a un estereotipo sino a un ser humano y con los pocos minutos que tiene en pantalla logra crear un exquisito retrato de un hombre convencional que cambia su manera de pensar.

Val Kilmer en Kiss Kiss Bang Bang
A estas alturas la carrera de Kilmer se encuentra bien resentida pero para quienes quieran un buen recuerdo de él, su actuación en esta comedia negra es un completo deleite. Kilmer se revela como comediante fino, es cool, es divertido, es fabuloso.

Tobey Maguire en Jóvenes prodigiosos
En términos de casting la elección de Maguire en este papel es una genialidad. Él simplemente encaja en el rol de geniecillo/geek/gay de manera sensacional. Es muy divertido y a veces da miedo lo bien que se imbuye en el papel, es algo profundo y especial.

Joaquin Phoenix en La otra cara del crimen
Phoenix estuvo increíble en Letras prohibidas y en Gladiador, pero aquí sobrepasa las expectativas porque el rol está hecho a su medida. Él tiene una impresionante carga de malicia cuando entra en escena, su presencia representa la amoralidad a la que la historia alude durante todo el metraje y el sabor que deja es memorable.

Stanley Tucci en Julie & Julia
Tucci es el actor secundario emblemático con su relajada interpretación de esposo abnegado. Él sirve como un apoyo y un muro de contención para la energía desbordante de Meryl Streep y la verdad es que sus ojos solo transmiten amor. Tucci no en buena sino en excelente forma, absolutamente brillante.

Y ya sé, diez actores es muy poco pero simplemente no puedo enrollarme en una longaniza así que he aquí mis diez finalistas: Héctor Alterio en El hijo de la novia, Philip Bosco en La familia Savage, Bobby Cannavale en Vías cruzadas, Steve Carell en Pequeña Miss Sunshine, Jeff Daniels en The Lookout, Ben Gazzara en Ciegas de amor, Bob Hoskins en Mrs. Henderson presenta, Mark Ruffalo en Puedes contar conmigo, J.K. Simmons en Juno y Christoph Waltz en Bastardos sin gloria.

P.D. Al finalizar de escribir esta entrada me he dado cuenta de lo divorciado que estoy de la Academia (y su premio Oscar), al menos en esta categoría. De mis diez caballeros favoritos solo Harris estuvo nominado al Oscar por el papel que escogí y de los diez finalistas únicamente Waltz. Debo aclarar que no fue a propósito.

P.D. 2 Y si les interesa saber cuál sería mi orden de preferencia, hmmm... creo que sería: 1. Harris, 2. Broadbent, 3. Franco, 4. Jenkins, 5. Maguire, 6. Tucci, 7. Phoenix, 8. Attal, 9. Baldwin, y 10. Kilmer (pero este orden puede cambiar en cinco minutos, los diez son fantásticos).

CONFIDENCIAS IV

2010-02-09T11:32:00.018-05:00

CONFIDENCIAS
Por Horacio Otheguy

«Aprovecha la ocasión», me dijo una voz envolvente durante un sueño, y desperté andando por zona inexplorada. «La muerte es otra cosa», insistió la voz y desde luego, muy distinta a cuanto las películas me han estado contando. Lo primero, sorprende descubrir que allí no hay actores geniales y tímidos espectadores sedientos de pasión: sólo amigos que conversan, ya sin necesidad de protegerse de los golpes de la vida, abandonados a la suerte de sus recuerdos y sus emociones.

AUDREY HEPBURN,
Dime que me amas

Llevo muchos días visitando a amigos comunes, viendo sus películas, recorriendo las penas y alegrías de esta flacucha de hierro; envío diversos mensajes en toda clase de ceremonias para acercarme a la maravillosa protagonista de Desayuno con diamantes, sin suerte alguna, hasta que algo fuera de lo normal se me echa encima para hacerme sentir especialmente extraño; no sé si estoy a punto de encontrar el camino hacia el paraíso de la divina o todo lo contrario, pero lo cierto es que me «encuentro» con una palabra, no con una persona. Y no sólo eso: es una palabra que la escucho en distintas voces que no conozco de nada, y la leo en todas partes; se entremezcla en cualquier lectura, en el espejo del cuarto de baño, en el azulejo de la ducha, en el de la cocina.

Por todas partes el mismo vocablo: monkey.

La nombran voces de gente muy anciana, al borde del último suspiro, y también voces infantiles: un montón de chicos correteando y burlándose no sé de quién ni de qué, aunque me parece que se mofan de mí, pues cuanto menos comprendo yo, más se divierten ellos: monkey moonkeyyy; me doy por vencido, no busco más, abandono. Indignado, me pregunto qué tendrá que ver el significado de esa palabreja —mono— con semejante belleza. Me digo que esto es muy ahh, ahhhh o mero ah. Me digo que por algo será que las iniciales de la star conforman ese suspiro, o el Ah de sorpresa por estar a punto de descubrir algo insólito.

Encanto y crueldad

No hay manera de dar con la bella mujer madura que antes de padecer los golpes más duros de su vida hizo tres películas que siempre me han rondado por sus peculiaridades extracinematográficas: Robin y Marian (1976), al servicio de la decadencia del héroe del bosque de Sherwood, un desvencijado Robin Hood en una gran película en la que Audrey sólo sirve a Connery y a la historia, pero carece de personaje, está para dar vidilla a la triste historia y para que sus encantadoras lágrimas nos emocionen con excesiva brevedad, todo demasiado «de paso». Después estuvo varios años sin hacer nada, hasta 1981 en que reaparece porque su gran amigo Peter Bogdanovich la reclama para Todos rieron, una comedia agridulce, coral, en la que su melancólica belleza se pasea sin garra ni destino. Y en el 89, Always. Posiblemente la peor película de Spielberg, pero con una gran idea: incluye a Audrey Hepburn en el papel de ángel cuando le quedan poco años de vida. Un guiño, más que una colaboración especial, un abrazo muy tierno para quien ya era embajadora de UNICEF y se sabía enferma. Moriría cuatro años después.

Va y viene su sombra, su calidez, su sensualidad, pero no la encuentro por ninguna parte. Monkey monkey monkey: un tiovivo, una canción, una danza infatigable. Me rindo. Estoy agobiado por el vaivén de sus imágenes, de la encantadora seducción de una de las actrices mejor pagadas de la historia del cine que detestaba la publicidad, huía de la prensa y de toda ostentación; colaboraba cuanto podía con organizaciones humanitarias y se enamoraba de hombres mucho mayores que ella; nunca creyó que de verdad tuviera talento: «Siempre he sido un instrumento de escritores y directores, sin ellos no sería más que una actriz del montón».

Envejeció prematuramente. Con 60 años parecía tener más de 70. Al final de sus días, una tristeza profunda, una impotencia feroz frente a los desastres del mundo. Visita países de América Central y del Sur y de África, por todas partes miseria y destrucción, consecuencia de años de conflictos armados; el tener en sus brazos a niños moribundos hace que afloren los extremos emocionales habituales en su vida: la depresión y el afán de superviviente; fue una extraordinaria colaboradora de UNICEF, una mujer que se entregó por completo, que investigó, que hizo cuantas gestiones estaban en manos de una actriz muy popular, constantemente acosada por la prensa. Lo aprovechó todo a favor de la causa por ayudar a los más necesitados del mundo, se mostró fuerte, decidida: «No hay nada que no podamos hacer». Pero el proceso iba por dentro, un niño muere de hambre en sus brazos; no puede más, incuba una dolorosa enfermedad que acabará con su vida con sólo 63 años: «Nos enfrentamos a un mundo terrible en el que la avaricia y el abuso de poder marcan a fuego a millones de seres humanos desesperados».

Había vivido con una sensación de sobrar, de estar demás, de no funcionar, de que la cosa no iba con ella, de que el éxito no le correspondía, no le pertenecía. Una sucesión de emocionantes paradojas en la vida de esta aristócrata, hija de una baronesa holandesa desafortunada y severísima, y de un padre dado a diversos oficios después de ser un banquero en caída estrepitosa: Joseph Victor Henry Ruston era encantadoramente cruel: encanto y crueldad que amargarían la vida de su hija agasajada por la buena fortuna.

La casa del ángel

Nace en Bélgica, crece en Holanda y acaba adquiriendo la ciudadanía británica de su padre para vivir en diversos países. Pasa muchas dificultades durante la ocupación alemana y forja un carácter de joven abierta al mundo, generosa y muy sensible, aunque en casa le prohibieran llorar y reclamar nada.

A los 6 años el divino papá Ruston abandona el hogar para siempre: un hombre que ella adora pero que nunca le hizo caso; un ser invisible siempre a la cola, detrás de dos hermanastros varones.

Ha de enfrentarse a un mundo duro con buenas armas académicas que consiguen pagarle su madre y su abuela materna: colegio de primera, educación políglota, capacidad de trato social con todas las clases, y fortaleza para afrontar el hambre, la lucha por la vida, y comprender no sin vergüenza por qué sus padres fueron fascistas en los esplendorosos comienzos del nazismo.

Aún adolescente empieza a trabajar como actriz. Un boom tras otro aportando al mundo un dechado de elegancia y fascinación, pero ahora, de pronto, me mareo, pierdo el control, recibo una invasión de imágenes contrapuestas; perdonad, queridos lectores de EL TICKET, es un cambio repentino, una situación inesperada; ahora, ¡cielos!, ahora encuentro ante mí un rostro centenario cubierto de lágrimas.

Irreconocible, no puede ser ella, o sí, sí lo es, cuanto más llora menos años tiene, reduce el tiempo para que logre reconocerla: una sonrisa misteriosa de la que brotan lágrimas. La cara empapada de lágrimas, un rostro deformado por el llanto: no es Angel face, carita dulce que canta y baila, no tiene nada que ver con el llanto final de Marian, o el de la jovencita de Guerra y paz, o de la maestra que llora la destrucción de su gran amiga en La calumnia, no, qué va, aquí no hay iluminador ni maquillador que se trabajen la elegancia del buen llorar, la dosis adecuada de melodrama, la belleza del dolor. No, este es el sufrimiento sonriente que sucede en un estallido de emoción que se cree solitaria. Sin espectadores. Como cuando se llora en el vértigo de la desesperación y no hay nadie más que uno mismo para darse consuelo y tomarse de la mano.

Y sin embargo esta tristeza explosiva transmite paz.

Se deslizan por el espacio las imágenes de sus películas y veo sombras de espectadores y a lo lejos niños que corretean con el monkey monkey y ella que no para de sonreír y llorar en un río de lágrimas imparable, demasiado largo y afeado para una película, exageradamente vivo y a la vez tenebroso para tratarse de un hecho real. El misterio empieza a desvelarse: al fin estoy en su reino mortal y sale corriendo para que yo la alcance: da volteretas, hace la payasa como solía en sus ratos de euforia o en los juegos inventados para sus dos hijos, esa pasión de ser madre que la alejó del cine y el teatro durante 8 años. Qué cosa, qué bien me siento yendo tras ella y dejando que el monkey monkey deje de importarme, y yo mismo formando parte de los fantasmales espectadores que disfrutan pasando de una película a otra, de un personaje a otro, y también callando, dejando que su espíritu y sus imágenes me cuenten cosas, confidencias sin interrogatorio.

Audrey Hepburn tiene muchas edades y personajes en este territorio, pero sobre todo caminos sin rumbo, cuyo destino se ignora.

Entra y sale por sus películas. Irrumpe en ellas y se ríe de sí misma, se pone bigotes de colores en la «reinona» del final de My fair lady; muestra los excitantes encuentros con Albert Finney en Dos en la carretera, pero no los de la película sino los que sucedían detrás de las cámaras, cuando los jóvenes actores se amaban fogosamente; y pasa de largo por su mayor creación dramática en Historia de una monja, y entonces deja de jugar, se vuelve a emocionar como la primera vez en la escena capital en la que debe decidir si seguir o salir al mundo, si continuar con el habito monacal o vestir las pobres ropas de la mayoría de las mujeres.

Pero luego vuelve a corretear, a llorar y reír en libertad, ya sin padres exigentes que no saben demostrar su amor.

La libertad se eleva como en una montaña rusa para descender vertiginosamente y lograr imponer un inédito sosiego. Así reaparece ese tremendo primer plano de rostro deformado por las lágrimas en el que se abre camino una sonrisa.

Me deja solo.

Escucho su voz lejana cantando una de sus canciones preferidas. Sus pies aparecen por un extremo. Sus manos por el otro. Ahora cuerpo entero con ligero vestido de colores claros. A su espalda, William Holden. Los dos están radiantes, tal y como se conocieron y amaron en Sabrina. El atractivo caballero 11 años mayor, que le divierte y agasaja y se exhibe tan feliz que incluso a su lado deja de beber, no parece tener 36 años sino la misma edad que ella: excelente actor, profesional impecable excepto cuando bebe y olvida la letra, las indicaciones, hasta el nombre de sus muchas amantes; pero con ella es diferente, Bill es un amante ejemplar dispuesto a divorciarse para casarse con Audrey. Y ella está entusiasmadísima con el sueño de tener muchos hijos y retirarse para siempre de una profesión que le divierte pero que le da igual; pasean, se aman, se gozan y divierten y la hermosa muchacha no pierde ocasión de hablar del hogar, de cómo le esperaría en casa rodeada de niños, de cómo le preguntaría muerta de celos si besó de verdad a la bella de turno, si se acostó con ella, si la deseó, si aún la quiere, si seguirá dándole hijos y ampliando la casa para recibir a sus amigos y familiares: «Siempre he considerado que crear una familia es lo más importante del mundo. No creo que haya nada tan emocionante como crear una familia con amor y buen humor: precisamente todo lo que a mí me faltó».

Camino de luz

Pero el bueno de Bill Holden calla el peor de sus secretos: era verdad que estaba dispuesto a divorciarse, pero callaba que era estéril; después de tener dos hijos con su esposa se hizo una vasectomía. Hepburn dejó de ser sweety Audrey: se convirtió en una mujer despiadada. La había engañado; le permitió disfrutar de cada momento, ilusionarse, compartir con él su proyecto de ser madre en medio de un silencio que escondía la peor de las mentiras: le hacía el amor y la elevaba a un éxtasis hasta entonces desconocido con una ilusión que nunca podría hacerse realidad. Como su padre, otro hombre mayor dispuesto a destruirla.

Desde entonces no volvió a dirigirle la palabra, será por eso que aquí le quiere tanto: que corre a sus brazos encarnando diversas edades: se aman con 18, 30, 60 años: en todos los casos ríen y hacen el amor. Se gustan y admiran en esta soledad fascinante en que los seres son puro sentimiento: no hay éxitos ni fracasos, sólo el amor que sean capaces de construir.

Audrey Hepburn se aleja por un momento de los brazos de Holden y marcha a visitar a Cary Grant, quien la enamora peinando canas en Charada, «con una vitalidad y un espíritu juvenil fantásticos»; en un alto del rodaje le toma las manos y le habla en voz baja, directo al corazón: «Sería interesante que hicieras el esfuerzo de quererte un poco más, Audrey, eres maravillosa». Pero ella no estaba preparada para ello, no lo estuvo nunca, aunque ahora sí, aquí sí, parece que sí, por eso besa la frente de Cary Grant y se marcha dejando a sus espaldas esa comedia sensacional que, como todo en el cine, posee el don de no perecer nunca.

Vuelve a Holden y de su lecho va a la compra, selecciona en el mercado los mejores productos que ella misma cocina mientras los 6 hijos que no pudo tener en vida juegan al balón, al tenis, cantan y bailan. Holden ya no bebe ni se vuelve loco con cualquier chica que pase a su lado; aquí encarna personajes sin público que le aplauda: ladrón, policía, paracaidista, hombre lobo, vampiro… todos papeles compuestos sólo para que ella le admire y luego le ame entrelazada a su cuerpo como a un dios que a su vez no para de adorarla.

Y por la tarde, Audrey corre al encuentro de un hombre que la abraza con ternura y le hace bromas y le pide algo rico de postre y esto y aquello otro y eso de más allá; es su padre, el temible señor que sólo atendía a sus hermanastros, pero ante quien a poco que la mirara ella se derretía, se sentía en el séptimo cielo. «La desaparición de mi padre cuando tenía 6 años fue terrible. Me marcó para siempre, porque siempre temí el abandono de mis seres queridos y busqué en mis parejas a un padre. Todos mis maridos interpretaron el papel de mi padre; en cuanto dejaban de tener influencia paternal sobre mí se divorciaron; más que parejas fueron productores, agentes, asesores: especies de padres, mientras yo buscaba desesperadamente al padre verdadero que sólo apareció cuando fui interna en un colegio. Entonces cada tanto pasaba a visitarme. Apenas unos minutos. Siempre seco, de paso para hacer alguna gestión. Hasta que nuevamente se hizo humo. Luego envejecí buscándole por todas partes. Ansiaba tener noticias suyas. No me conformaba. Pasaron muchos años hasta que a través de Cruz Roja lo encontré. Fue decepcionante».

La gran actriz, rica por su propio trabajo le mantuvo hasta sus últimos días con más de 90 años: le pagó una suculenta mensualidad y una sociedad médica privada. Él no se lo agradeció jamás.
Ya muerta, la fiesta es completa: del amor imposible de juventud con Bill Holden, aquí hecho carne y ensueño, pasa con facilidad a visitar a su padre, un hombre encantador que no para de agradecerle su visita y de hacerle bromas. Nunca le explica por qué de niña, cuando era tan hosco y frío, sólo le divertía llamarla Monkey Puzzle: algo que ella nunca entendió.

Monkey puzzle, tal el nombre de un enrevesado juego y también de un árbol muy delgado y muy alto de la Cordillera de los Andes con una copa de ramas preciosas donde no se concentra la nieve; muchos MP forman un bosque espléndido por donde se filtran rayos de un sol en color by de luxe.

Y por separado, tenemos un monkey que además de un mono también es un diablillo, un pícaro golfillo… pero aquí, en este paraíso, el conjunto es un Monkey Puzzle Audrey, o sea, una jubilosa pieza para amar y no un juguete para armar: desde entonces ya está en paz, ya agasaja a su padre y es agasajada por él, y cuando lo deja corre a su gran familia llena de hijos con Bill Holden, y a menudo se dice a sí misma «Cielo santo cómo es posible tanta felicidad sin peligro de perderla, sin miedo de perderme, sin las noches horrendas en las que me sentía como Susy, esa pobre ciega acosada por un asesino».

Sola en la oscuridad.

Tal el título que alberga a Susy, ciega por accidente, más fuerte que una chica sana: un espíritu indomable, «la campeona de las mujeres ciegas», que con ingenio y valentía ilimitada hace frente a peligrosas situaciones.

Aquí puede vagabundear en la oscuridad, hallando siempre luz y una vigorosa manera de sentirse plena. De un buen amor a un buen padre y nunca víctima de alguna encrucijada; gozando de momentos estelares en los que puede llorar intensamente, permitiendo que su esbelto rostro se deforme por el llanto para luego permitir un sinfín de preciosas sonrisas. Es su manera de consagrarse a la felicidad, mientras Holden la espera bajo la ducha, sus chicos juegan felices en el parque y su padre le tiene preparado un regalo que no espera: un Monkey Puzzle que él mismo acaba de fabricar para ella, el único juguete del mundo que sólo tendrá su adorada hija.

Es una caja muy grande envuelta en papeles de muy variados colores. En cuanto la toca lanza fuegos artificiales inofensivos, sin riesgo de quemarse; aquí todo es magia, dulzura extrema, encantamiento sin riesgo de excesos; dentro del gran paquete hay otro y otro más y luego otro, cada uno más hermoso que el anterior por formas y colorido y al final una caja pequeña que al tocarla crece y se transforma en un globo aerostático con los colores del arco iris con sitio para ellos dos que ascienden mágicamente rumbo a un cielo inexplorado: padre e hija se abrazan para soportar juntos el vértigo, el miedo, la aventura de vivir después de muertos.

RECUENTO DE LA DÉCADA: 10 encarnaciones del mal.

2010-01-23T10:52:00.014-05:00

Los últimos diez años las películas nos han mostrado diversas versiones del mal. Algunas son hermosas otras son definitivamente horribles, he aquí las diez que más recuerdo, sabiendo que hay muchas otras que permanecen en la memoria colectiva:

10. Roark Junior interpretado por Nick Stahl en SIN CITY
Los violadores de niñas son siempre detestables y Roark Jr. es uno realmente muy cruel. Uno puede casi oler la pestilencia que emana de él, es realmente una de las criaturas más perversas que he visto. Es realmente horrible.

9. Sr. Bebe interpretado por Vlad Ivanov en 4 MESES, 3 SEMANAS y 2 DÍAS
Practicar abortos clandestinamente puede ser algo malo desde la perspectiva ética de muchas personas, mas eso no es lo peor de este terrible personaje. El Sr. Bebe no tiene miramientos y está dispuesto a hacer pagar a sus clientas con todo lo que tengan a fin de sentirse bien recompensado.

8. Briony Tallis interpretada por Saoirse Ronan en EXPIACIÓN
Briony Tallis es una niña de trece años con un gran genio para la escritura pero también es una semilla del mal en ciernes, capaz de mentir con frialdad, marcar las vidas de dos personas para siempre y destruir una historia de amor.

7. Velma von Tussle interpretada por Michelle Pfeiffer en HAIRSPRAY
Velma von Tussle es una ex reina de belleza, hermosa, con talento para el baile y el canto, pero todas sus virtudes desaparecen porque es vanidosa, mala, racista y tramposa. Me gusta mucho esta faceta de Michelle Pfeiffer porque es genuinamente divertida ofreciéndonos una villana retro en un entretenido film musical.

6. Stuntman Mike interpretado por Kurt Russell en DEATH PROOF
Stuntman Mike es un psicópata que mata chicas hermosas con su fabuloso y terrorífico auto. Kurt Russell ofrece una excelente actuación dando vida a un ser malvado y enfermo, difícil de olvidar. Definitivamente Stuntman Mike es lo mejor de la peor película de Tarantino hasta ahora (opinión personal, por supuesto).

5. Kimberly Joyce interpretada por Evan Rachel Wood en DULCE PERSUASIÓN
Capaz de provocar un suicidio, acusar a un profesor de acoso sexual, vengarse despiadadamente de su supuesta mejor amiga, hacerlo todo por un sueño retorcido, Kimberly Joyce es el diablo en el cuerpo de una adolescente, así de simple.

4. Joker interpretado por Heath Ledger en THE DARK KNIGHT
La composición del personaje es muy buena y de alguna manera permanece en mi mente desde que vi la película hace ya algunos años. En esta adaptación Joker está subsumido en un nihilismo irreducible y su presencia genera terror. Este villano encarna al extremo la fobia que algunos niños tuvimos con los payasos.

3. Elle Driver interpretada por Daryl Hannah en KILL BILL
Elle Driver es oscura, malévola y extrañamente sensual con ese ojo parchado – como una pirata –, su estilo para vestir pantalones y sus nervios de acero para asesinar sin piedad y hasta recurriendo a modos creativos que incluyen desde un sencillo envenenamiento hasta una serpiente extremadamente mortal.

2. Anton Chigurh interpretado por Javier Bardem en NO ES PAÍS PARA VIEJOS
Anton Chigurh es un mercenario que produce miedo aún cuando no aparece en escena pues su sombra persigue a todos los involucrados en la trama y hasta a nosotros al otro lado de la pantalla. Tiene un horrible peinado, habla poco y a veces da una segunda oportunidad a sus potenciales víctimas, pero para eso hace falta tener mucha suerte.

1. Hans Landa interpretado por Christoph Waltz en BASTARDOS SIN GLORIA
Hans Landa es un oficial alemán y el más eficiente asesino de judíos durante la Segunda Guerra Mundial. Conoce los instintos de su presa y la destruye con la eficiencia de un tiburón que ataca directo a la yugular. Tiene un sentido del humor abrupto que lo vuelve más terrible e inolvidable como miembro de honor en el hall del mal.

RECUENTO DE LA DÉCADA: 10 afiches favoritos.

2010-01-14T18:53:00.016-05:00

Para muchas personas la experiencia cinematográfica no empieza con EL TICKET sino mucho antes, con los avances de cine y los afiches.

En materia de afiches de película (o pósters, como se les conoce aquí en Ecuador) los profesionales del diseño gráfico y la publicidad actualmente hacen maravillas.

El afiche cinematográfico ideal es aquel que logra no solo atraer al público sino que, además, expresa con éxito la esencia o el mood de la película a la que alude y proporciona una nota de autenticidad al producto que promueve.

La década pasada nos trajo una gran variedad de afiches dignos de mención, he aquí – de aquellos que recuerdo haber visto – los diez que más me gustaron:

10. RÉQUIEM POR UN SUEÑO
Es una imagen impactante que fácilmente manifiesta la naturaleza de la película. Indudablemente hay mucha belleza – sobre todo en la magnífica imagen de Jennifer Connelly de espaldas – pero también hay una gran dosis de misterio, algo que inquieta, debido a ese precioso ojo azul que se impone en la parte superior.

9. MEMENTO
Una foto de una foto de una foto de una foto… por más raro que suene, eso es exactamente el afiche de Memento. Para mí la idea no solo funciona muy bien – produce una sensación extraña, como de estar atrapado – sino que ofrece desde un principio la nota de misterio y repetición que se cumple cuando uno ve la película.

8. A GOOD WOMAN Revivir un cartel de los años 30 es una gran idea para promocionar una película basada en una obra de Oscar Wilde. El resultado es un afiche de aspecto sofisticado y a la vez muy sexy y juguetón. Me encantan los colores y el espíritu del afiche así como la decisión de sustituir los rostros reales de los protagonistas por unas maravillosas caricaturas.

7. DUETS
Un afiche valiente. En vez de colocar los rostros de Gwyneth Paltrow, Scott Speedman, Paul Giamatti o Maria Bello, lo que vemos es dos micrófonos, sin embargo, a veces menos es más y en este caso esa sencilla imagen cobra vida y finalmente transmite la idea de una película donde hay canciones, amor y, como su título lo indica, dúos.

6. SCARY MOVIE 4
Divertido y diferente, me encantó el detalle de la pequeña banda adhesiva en uno de los dedos del cadáver. Me gusta porque es simple pero al mismo tiempo elocuente, se entiende desde el principio que se trata de una parodia a las películas de terror y se mete, ni más ni menos que con Saw. De premio está la frase promocional: “The funniest thing you ever sawed.”

5. PRECIOUS
La combinación de colores rojo y negro es poderosa y tanto la silueta de la protagonista como la forma en la que el color está dispuesto en el fondo, dan una sensación de arte urbano que va muy de acuerdo al contexto de Precious. Me rompe el corazón esa mano que aparece amenazante sobre las partes íntimas de la protagonista y la quiebra en pedazos, un detalle muy elocuente y totalmente consecuente con la dura temática del film.

4. KILL BILL VOL. 1
El afiche transmite – valiéndose de una imagen muy sencilla – el espíritu de Tarantino y de la película. Los colores y los caracteres que aparecen en el fondo nos transportan a las películas de kung fu de los años 70. La espada luce preciosa y los detalles de la mano de la novia y el nombre de la película escrito en su pañuelo concuerdan perfectamente con la maravillosa frase promocional del film (“HERE COMES THE BRIDE”).

3. THE DARK KNIGHT
Quizás a mí no me gustó mucho la película pero siempre reconoceré que el departamento de mercadeo de The Dark Knight fue una genialidad. Varios de los afiches promocionales de la cinta son excelentes pero éste excede con creces a los demás. Combina terror y humor, la frase promocional está fantástica (Why so serious?) y la imagen de Heath Ledger detrás de una superficie empañada es perturbadora.

2. SUPERMAN RETURNS
Superman es probablemente mi superhéroe favorito y cuando vi este afiche sentí la esencia mitológica del hombre de acero por completo. Me encanta la perspectiva desde la cual es captado Superman, la verticalidad de su levitación, el misterio de su rostro convenientemente oculto, el movimiento de su tradicional capa, las emociones que evoca la imagen y el precioso detalle del planeta Tierra en el fondo.

1. LORD OF WAR
El rostro de Nicolas Cage enteramente formado por balas es una idea genial para una película llamada Lord of War. Cada vez que lo veo me estremezco y no puedo quitarle la mirada de encima por varios minutos. Es un afiche relativamente simple pero expresa el concepto de una manera realmente poderosa y es muy original.

Confidencias III

2010-01-10T10:19:00.000-05:00

CONFIDENCIAS

Horacio Otheguy

«Aprovecha la ocasión», me dijo una voz envolvente durante un sueño, y desperté andando por zona inexplorada. «La muerte es otra cosa», insistió la voz y desde luego, muy distinta a cuanto las películas me han estado contando. Lo primero, sorprende descubrir que allí no hay actores geniales y tímidos espectadores sedientos de pasión: sólo amigos que conversan, ya sin necesidad de protegerse de los golpes de la vida, abandonados a la suerte de sus recuerdos y sus emociones.

IDA LUPINO,
HURACANES CONTRA
EL DESALIENTO

Siempre admiré a esta mujer camaleónica que lo mismo aparecía con sex-appeal que carente de todo atractivo, valerosa víctima y verdugo de una industria del arte cinematográfico que manipulaba a las mujeres de una forma tan fascinante como repulsiva: cualquier cosa sobre el rostro y el cuerpo para fomentar gustos y maneras posibles y luego los productores que se imponían sobre los directores marcando a fuego los estilos sociales que podrían dar más dinero más dinero más dinero. Un mundo de maquillaje y frases hechas en el que se forjó esta mujer singular en aquellos años 40-50-60, las tres décadas clave en la trayectoria de esta actriz menuda que se resiste a las sesiones espiritistas, a las ceremonias animistas y al mero deseo de conversar de entre los muertos.

Las extrañas voces que suelen visitarme entre sueños tampoco me animan, más bien me dicen que abandone toda esperanza de dar con ella, «es rara avis, seguro que no quiere tomar contacto, que prefiere mantenerse en el olvido, sólo te damos sus señas oficiales: nació en 1918 y murió en 1995; ahora arréglate como puedas».

Veo una y otra vez sus películas y me concentro, y no sé qué me da más resultado si la meditación trascendental que practico en silencio y a oscuras o la otra, la meditación intrascendente que practico viendo más Lupino Pictures, comiendo suculentas hamburguesas con chile, porque de pronto, frente a frente con dos de sus películas entro en trance y en plena madrugada siento un aliento frío que hiela la habitación; en la pantalla veo a un desconocido que me hace señas. Me refriego los ojos, me pellizco, me doy otro chute de coca-cola hipercalórica y me digo que sí, que es conmigo la cosa, y no sé cómo abandono esta realidad grasienta y peliculera para formar parte yo mismo de una película: el hombre de la pantalla que me ha hecho entrar en su extraño mundo es un detective en blanco y negro, uno bien clásico, estilo Bogart, aunque enseguida reconozco bajo el disfraz a la propia Lupino devenida en hombre duro; me toma por un brazo y me lleva a un rincón: bajo una farola me habla con voz de aguardiente y tabaco: «Has dado muchas vueltas hasta enamorarte de mis películas preferidas. Ven y sígueme».

Ahora soy yo quien la toma de un brazo a ella. Mi mano roza la pistola que lleva bajo la chaqueta, me pongo a su altura y crece mi altivez ante su andar masculino, vigoroso. El ambiente es húmedo, de niebla y lluvia mortecina. Las farolas apenas destacan en la noche. Algunos figurantes deambulan por ahí: un hombre y una mujer dándose el lote, más allá lo hacen dos mujeres medio desnudas, y bajo el alero más luminoso dos ardientes marineros. Una fiebre de erotismo desenfadado y permisivo del siglo XXI en el oscuro ambiente de la serie negra de toda la vida, donde las pasiones se entretejen bajo maldiciones cargadas de culpa y castigo.

Caminamos bajo la lluvia y ella, bueno, ella está irreconocible, hermosa y joven como nunca la he visto, lápiz de labios rojo, cigarrillos, cuyo humo la envuelve, la esconde y a ratos la ilumina, dándole un aura de sorprendente energía. Y a partir de ese encuentro, todo se desliza como un torrente, un calor humano y un gran deseo por contarme cosas, una avidez por ir de confidencia en confidencia.

— Aquí todo vale, todo amor es recompensado. Muchas de estas historias todavía hoy siguen siendo materia restringida, y las mujeres, bueno, qué te voy a decir, siguen teniendo los mismos problemas que tuve yo. Todo parece mucho más libre y amoroso pero hay demasiados prejuicios que todo lo carcomen.

— Pero usted se atrevió a muchas cosas.

— Y más que me tendría que haber atrevido, pero ya ves, le llamaron serie B, de bajo presupuesto, pero sobre todo fue una excusa para esconder las películas porque trataban temas que los grandes no querían mover, nadie quería jugar cartas tan arriesgadas. Pero, espera, por favor, nada de usted, ¿no ves que somos iguales, dos jóvenes hablando del cine y de la vida, compartiendo intimidades?

— Desde luego, del cine y de la vida tú siempre supiste mucho.

— Sabía lo que me daba la gana saber, porque inventaba, improvisaba, me gustaba ser una actriz solicitada en películas duras, pero también me divertí mucho colaborando con Lucille Ball en su serie Yo quiero a Lucy; el público no se podía creer que yo fuera tan graciosa, siempre haciendo dramones; pero no hice más comedia porque Hollywood siempre encasilló mucho. Pero espera, que me enrollo como una persiana y me olvido de lo fundamental y lo fundamental es que en varias películas que dirigí, y que por lo que me cuentan hoy siguen siendo muy difíciles de ver, aposté fuerte por cosas de la vida, muy vividas por mí y por medio mundo, conflictos de hombres y mujeres con el sexo de por medio, ah, pero todo esa era un tema tabú, claro.

— ¿Outrage, de 1950, por ejemplo?

— Outrage fue una maravilla, a ver, dime ¿quién se había atrevido a contar ese asunto?

— Una violación con todo detalle en la persecución y la caza de la chica.

— Una violación y su vuelta de tuerca que no sé yo qué molestó más.

— Sorprendió mucho el contraste entre la primera y la segunda parte, dos estilos muy distintos.

— Dos películas muy distintas, claro que sí, porque estaban acostumbrados a la tragedia de la pobre chica, y no les gustaba nada que esa desgraciada encontrara un camino de nueva vida.

— A mí me gusta mucho porque es muy audaz: mucho suspense y emoción en la caza y captura de la muchacha hasta su violación en la que ella sólo ve un cuello masculino con una cicatriz. Y luego su fuga y salvación en manos de buena gente.

— Ya, pero te olvidas de algo muy importante, que esa chica está prometida y que se supone que irá virgen al matrimonio, de manera que cómo va a contar lo sucedido y seguir tan feliz con su maridito, imposible. Un tema horrible que aún marca a muchas mujeres en muy diversas culturas: víctimas que deberán padecer como culpables, bajo el rechazo de la sociedad que la trata como una puta por haber sido atropellada, por haber padecido un Outrage.

— ¿Cómo fue posible que una actriz se convirtiera en mujer de cine, productora, guionista y directora?

— Porque sabía conectar con los hombres en aquel mundo de hombres: todos chicos complicados con la penuria de tener que demostrar virilidad, seducción, poderío, pero en el fondo unos tipos sensibles que se parecen demasiado a las mujeres que les gustan, por eso lo complican todo y nos hacen la vida imposible, pero además yo siempre fui muy lista y en lugar de novios tuve socios.

— ¿Sus tres maridos fueron socios?

— Pues, claro, el que no era productor, escribía o era actor o todo a la vez; duraron poco, sí, 3 y 7 años, los dos primeros, pero el último, Howard Duff, 34 años, nada menos.

— Pero se divorciaron.

— Sí, queríamos envejecer con plena independencia. Socios, sí, y gracias a ello no intentaban dominarme, eran cómplices de lo que se me ocurría, una fórmula ideal; así me metí en la primera película como coproductora y coguionista pero el director tuvo un infarto y yo lo sustituí a toda prisa porque se nos acababa el presupuesto. Era de cine negro, mi género preferido: Not wanted, 1949, un año antes que Outrage, y me entusiasmé y proseguí.

— ¿Y el primer psicokiller cómo surgió?

— Antes hice un sensacional melodrama entre madre e hija muy sensual, con una gran carga sexual entre una jovencita y una madre insatisfecha que desean a la misma persona.

— Hard, Fast and Beautiful (Duro, rápido y hermoso) sí, qué hermosas mujeres y cuanta carga de morbosidad.

— Es que la vida es una corriente constante de sexualidad frustrada o abierta, y eso no gustaba, los hipócritas siempre prefieren reprimir, tapar, censurar, esconder y que los placeres se conviertan en veneno bajo la niebla.

— En esa película eran madre e hija compitiendo por un guapo muchacho con la sensualidad del tenis de por medio. Las secuencias de la chica son muy atractivas.

— Ah, te gustaron, eh, se ve que te gustaron las piernas de aquella rubita y el pim pam pum de la pelotita. Sí, había mucho allí, tanto como en El bígamo (1953), que pude dirigir e interpretar con Joan Fontaine, dos mujeres engañadas por un hombre… pero ellas terminan decidiendo el presente y el futuro, imponiendo la ley.

— Y después del tenis sexy, con madre e hija bellísimas, El autoestopista, un thriller muy especial cargado de testosterona.

— Ah, sí, por Dios, Mrs. Lupino al fin conseguía que un cruel criminal mantuviera a raya a dos amiguitos, dos hombres casados que se van en busca de juerga nocturna, y por primera vez la víctima asustada no era una pobre mujercita con sus tetitas temblorosas, sino dos hombres hechos y derechos…

— … con la novedad de que uno de ellos tiene el típico ataque de histeria femenino…

— Sí, así es, claro que sí, eso quería yo, mezclarlo todo con la energía de los seres humanos sin prejuicios sexistas; lástima que no pude hacer más cosas.

— Tenías un rostro que las cámaras adoraban y unos labios llenos y una mirada encantadora, podías ser muy sensual y muy dura, nunca hiciste papeles de chica atrapada sin salida.

— Casi siempre se me identificaba con una especie de versión pobre de Bette Davis. La Bette Davis de los pobres escribió alguien de mí en un periódico.

— ¿Por la falta de dinero dejaste de dirigir?

— Claro, y porque mis películas no tenían éxito, hoy serían independientes y tendrían un circuito, pero entonces eran serie B, cines de barrio, ni un céntimo de beneficios.

— Aun así, el desaliento nunca pudo contigo.

— Eso nunca. Como mucho tres o cuatro días arrastrando la lástima por mi apartamento con algo de whisky: puro personaje de ficción, en realidad mientras andaba decaída no hacía más que pensar cómo salir de esa. No pude seguir dirigiendo lo que quería pero cuando empezó la crisis como actriz yo ya era una realizadora de televisión en series de tanto éxito como El fugitivo, más otras de mi propia creación. Siempre buscando alternativas. Mira, he oído que hay un huracán que lleva mi nombre, el huracán Ida, qué horror, con lo destructivo que es eso, pero si tengo que ser un huracán que sea contra el desaliento que enferma a millones de personas.

— También habla de eso la película en la que haces uno de tus mejores trabajos: On Dangerous Ground, que en español se conoce como La casa en la sombra, aunque su traducción literal es mucho más efectiva, algo así como En un terreno peligroso.

— Sí, sí, sí, oh, qué maravilloso fue ese trabajo. Qué pareja más estupenda: el policía duro que hacía Robert Ryan, acorralado por la locura de sus frustraciones, y una ciega en un desierto de nieve; luchamos contra la soledad y el desaliento, y conseguimos triunfar, y todo contado con un arte, una sencillez, una fotografía, bueno, bueno, y además qué actores secundarios… No digo más, que la gente vaya a verla corriendo, sí, fue genial cómo nos entendimos con el director Nicholas Ray, nunca más se repitió semejante unión. Pero, espera, no te vayas, no te muevas, no respires —como dicen cuando te sacas una radiografía—, qué gracioso, espera que ya vienen, mira, con su bolsa de palomitas y su whisky y sus coca-colas para mí, es que todas las tardes nos reunimos aquí para ver esa película que a los tres nos gusta tanto, Nicholas y Robert, qué tíos, esos sí que eran hombres de verdad, tiernos cuando tenían que serlo y duros cuando se necesitaba que lo fueran, pero sobre todo hombres de una pieza, sin ese miedo de la mayoría de los hombres que viven aterrorizados de que les vayan a confundir con maricones por tener sensibilidad. Espera, ponte aquí, en este rincón, a nuestro lado, quédate a ver la película con nosotros, seguro que te va a gustar más todavía.

Se quita el traje de detective, el del personaje que le hubiera gustado interpretar: el de una chica haciendo de chico de armas tomar, como una más de la pandilla. Pero está muy a gusto en medio del sillón, comiendo y bebiendo con sus amigos: Ray, Ryan y Lupino disfrutan viéndose en una gran película que pocos han visto, cada uno aplaude su parte y la del otro. Y yo a su lado, eso sí, sin hablar con ninguno, como espectador de lujo, mirón de primera, admirador que vuelve a emocionarse cuando tras una hora de película se abre una puerta y se escucha su voz y luego se ve su espalda sin curvas, casi sin caderas, para finalmente ver el rostro de la mujer ciega, vulnerable y valiente a la vez.

Miran, se regocijan, se emocionan; la vuelven a poner por tercera vez y sus comentarios varían, varía cuanto opinan en cada visión de su película, pues la viven como si la vieran por primera vez: tres grandes amigos festejando una gran creación que fue un fracaso más en una vida con muchas valentías y muchas frustraciones.

Yo no salgo de allí por mi propio pie ni mi propio deseo. Ni siquiera sé cómo es que desaparezco de ese lugar tan confortable donde hasta hay una maravillosa chimenea a un lado y unos vasos que se llenan con sólo desearlo y una pantalla grande como la de un cine sólo para nosotros.

De pronto aparezco en mi cama habitual, de madrugada, iluminada por las luces de neón de los carteles publicitarios de la calle. Despierto con una sensación muy angustiosa cuyo origen desconozco. Mi cabeza está llena de interrogantes. Amanece. Las luces se apagan. Sobre la máquina de escribir está el sombrero de detective que lucía Ida.

Todo el apartamento está en blanco y negro.

Sobre el sombrero hay un sobre blanco que guarda el último mensaje de quien protagonizara con gran talento El último refugio (1941): «Recuerda: huracanes contra el desaliento».

Su nombre es Harvey.

2010-01-03T12:50:00.008-05:00

Título en castellano: "Mi nombre es Harvey Milk"
Título original: “Milk”
Dirección: Gus Van Sant.
Guión: Dustin Lance Black.
Actores: Sean Penn, Josh Brolin, Emile Hirsch, Diego Luna, Alison Pill, Victor Garber.
Género: Drama / Vida real.
Año: 2008.

Gus Van Sant es un director interesante que se inició en su pasión tras las cámaras desde que era un niño. En 1989, después de haber realizado algunos cortos, Van Sant apareció en el panorama cinematográfico mundial con “Drugstore Cowboy”, duro retrato de la drogadicción en América. En los años 90 se consolidó como una de las principales figuras del cine independiente estadounidense contando con el reconocimiento del público y la crítica. Su filmografía incluye obras de culto, como “Elephant” (2003) y “Gerry” (2002), y también películas orientadas a un público más amplio, como “Good Will Hunting” (1997) y “Finding Forrester” (2000). A pesar de la disimilitud de sus obras, la mayoría tienen en común la presencia protagónica de personajes jóvenes y marginales que luchan por sobrevivir a su manera, es un enfoque constante que resulta motivador e inquietante al momento de analizar al autor y al conjunto de su trabajo.

“Mi nombre es Harvey Milk” es un film con bastante historia. Gus Van Sant, abiertamente homosexual, mantuvo una relación con el mismísimo personaje del que se trata esta película biográfica e impulsó el proyecto cinematográfico por más o menos quince años hasta lograr concretarlo. Con estos antecedentes, es obvio que tanto la temática como el personaje en el que se basa la cinta se encuentran estrechamente vinculados a la realidad del director, y el resultado, en ese sentido, refleja no solo la dedicación y pasión de Van Sant sino su inteligencia y sensibilidad para crear un documento que, en vez de glorificar a Harvey Milk con excesos y sensiblería, se concentra en lo que hizo este personaje público en beneficio de la democracia y los derechos humanos, es decir, toda la energía esta puesta en mostrar la labor de este político estadounidense a favor de los derechos civiles de los homosexuales de todo el país y la sagacidad e ingenio empleados por él para humanizar a las personas agrupadas bajo el término “gay” en una sociedad que, basada en principios judeocristianos rígidos y no necesariamente compartidos por toda la población, se empeñaba en apartarlos de su proyecto social no consensuado y marcadamente excluyente.

En 1977, Harvey Milk se convirtió en la primera persona abiertamente homosexual elegida para un cargo público en Estados Unidos. Antes de 1977 Milk ya era un personaje reconocido en su comunidad, sobre todo entre personas de su misma orientación sexual, debido a su talento como político, a su amplio poder de convocatoria y a la habilidad con la que expresaba su mensaje. La idea de Milk era muy clara, llegar al poder y utilizar ese poder para mejorar las condiciones de los homosexuales. Consecuente con los ideales que lo animaron a participar en la vida política, Milk, desde su posición como miembro de la Junta de Supervisores de San Francisco, logró que se apruebe una ordenanza a favor de los derechos civiles de las personas homosexuales y posteriormente utilizó su nombre y cargo para liderar una fuerte campaña en contra de la Proposición 6, una iniciativa conservadora formulada por el legislador John Briggs y apoyada por la activista Anita Bryant, que pretendía que cualquier persona homosexual, o a favor de los derechos de las personas homosexuales, trabaje en las escuelas públicas de California.

El mensaje de la película está expresado con claridad y objetividad, algo que le suma puntos a la propuesta de Van Sant. Pienso que cualquier persona, sin importar su posición frente a la homosexualidad, debería estar de acuerdo en que todos los individuos tienen derecho a una igual protección por parte del Estado, a desarrollar su personalidad de acuerdo a sus principios y a sus propias convicciones, a contar con un mínimo de garantías que les permita vivir dignamente y a disfrutar de una vida plena en un ambiente seguro y con igualdad de oportunidades. Los límites a todos los derechos individuales son precisamente los derechos de los demás y hay que ver en qué medida los activistas en contra de los derechos de las personas homosexuales – como John Briggs o Anita Bryant, presentados en el film como firmes opositores a las propuestas de Harvey Milk a finales de los años 70 – consideraban (o aún consideran) que la preferencia sexual de un individuo adulto, libre y responsable afecta el normal desenvolvimiento de una comunidad. Personalmente yo creo que la orientación sexual de una persona; agradable, desagradable o indiferente ante los ojos de sus vecinos; nada tiene que ver con el derecho a contar con todas las garantías constitucionales que aseguren su derecho a ser libre, a poseer ideas propias (aún cuando no sean acordes a las establecidas por los grupos mayoritarios y/o dominantes) y a integrarse, a su manera, a un conglomerado social determinado.

La negación de los derechos de los homosexuales a ser protegidos contra la discriminación y a ser integrados a la sociedad (siendo reconocidos como ciudadanos y viabilizando su efectiva participación en lo laboral, social, educativo, político, económico, etc.) deviene en dos únicas posibilidades: su exterminio o su relegación a un papel marginal en calidad de ciudadanos de segunda categoría. De las dos posibilidades, hoy en día a la mayoría le impacta el término exterminio, por lo tanto se opta por la segunda, que no es otra cosa que una forma de exterminio sutil que elimina el sentimiento de culpa en sus perpetradores, ¿o la relegación social no es una forma de exterminio?

Quienes sinceramente creen que la homosexualidad no es correcta deben presentar sus ideas con firmeza e inteligencia, siempre respetando la libertad del otro y nunca abusando de los instrumentos que les brinda el status quo, menos aún de la Ley o del Estado, puesto que a ninguno de estos dos pilares le corresponde establecer lineamientos para lo que ocurre en el interior de una alcoba entre personas adultas, conscientes y responsables de sus actos. El mundo es cambiante, las sociedades no son estáticas, de modo que la minoría de hoy puede ser la mayoría de mañana y creo que nadie quiere ser agredido, discriminado ni menospreciado por ser fiel a sí mismo o por condiciones que en nada alteran su facultad de ejercer sus derechos plenamente.

Es impresionante cómo una película bien elaborada puede llevarnos a reflexionar tanto acerca de lo importante que es construir nuestras sociedades en torno al respeto a las diferencias, cultivando día a día la tolerancia. “Mi nombre es Harvey Milk” es, más que una película, un discurso político acerca de lo importante que es la participación de cada grupo, desde el activismo, el marco electoral, hasta el diseño de políticas específicas que beneficien a todos. A veces el mensaje supera a la película en sí, quizás por la forma – casi documental – en que está presentada la historia, pero en general se trata de una cinta que, si bien no es el corolario de la imaginación ni cambia el rumbo de la historia del cine, se siente importante por su contenido y cuenta con el brillo adicional de una interpretación magnífica por parte de Sean Penn, quien en la piel de Harvey Milk consigue el sueño de todo actor (o de todo cinéfilo, al menos), el espectáculo de una auténtica, sensible y conmovedora transfiguración.

RECUENTO DE LA DÉCADA: 10 nuevos rostros.

2009-12-29T14:24:00.015-05:00

Porque cada década nos trae algunas revelaciones, he aquí mis diez nuevos rostros preferidos del 2000 – 2009:

10. Isla Fisher

Cuando aparece en pantalla, Isla, es simplemente una bocanada de aire freso que irradia energía cómica por doquier. La noté por primera vez como la despampanante “virgen” que pone el mundo de Vince Vaughn de cabeza en “Los rompebodas” (2005)… ¡ella es lo mejor de esa película! Me gustó mucho en el thriller “The Lookout” (2007) pero como su don es definitivamente la comedia, la disfruté mucho, mucho más en el rol protagónico de “Confesiones de una compradora compulsiva” (2009), comedia efectiva que – en mi opinión – ha sido injustamente menospreciada.

9. Saoirse Ronan
La primera vez que la vi fue en “El novio de mi madre” (2007), como la hija de Michelle Pfeiffer, pero donde realmente la noté como una actriz fuera de serie fue en su rol de una pequeña e hipnótica semilla del mal en “Expiación” (2007), drama de alto perfil donde compartió créditos con actores como Keira Knightley, James McAvoy, Vanessa Redgrave y Brenda Blethyn. Saoirse se destacó y hasta ahora es lo que más recuerdo de esa película… es muy joven todavía y, aunque no la he visto en tantas películas como quisiera, tiene toda una carrera por delante.

8. Emily Blunt
La vi por primera vez en “El diablo viste de Prada” (2006), donde demostró una considerable habilidad para dar forma a un personaje secundario muy gracioso, llenar de vida la pantalla y robarse algunas escenas. Me gustó su papel en “La hija de Gideon” (2005) y luego la disfruté en roles pequeños pero efectivos en “Como la vida misma” (2007) y “La guerra de Charlie Wilson” (2007). Tengo mucho interés por ver qué tal está Emily en “Sunshine Cleaning” (2008) y “La joven Victoria” (2009), en todo caso me alegra tenerla en mi lista.

7. Keira Knightley
El año 2003 Keira Knightley se dio a conocer con tres producciones de alto perfil: fue la emancipada doncella de “Piratas del Caribe: la maldición del Perla Negra”, la joven deportista de “Quiero ser como Beckham” y una hermosa novia en “Love Actually”. Su estimulante presencia se desarrolló completamente en “Orgullo y prejuicio” (2005), de Joe Roth… Como admirador de la novela de Jane Austen, sinceramente no pensé que Keira lograría dar vida a Elizabeth Bennett, sin embargo, me equivoqué mucho, pues lo hizo portentosamente. Al poco tiempo volvió a colaborar con Joe Roth para traernos a la más hermosa dama vestida de verde, de la década, en “Expiación” (2007). Hoy tiene muchos proyectos nuevos.

6. Dakota Fanning
En “Yo soy Sam” (2002) – cuando era muy chiquita – me cautivó a través de su papel de hija de un retrasado mental. Me gusta Dakota porque le robó la película a Tom Cruise en “La guerra de los mundos” (2005) – seamos honestos, lo que recordamos de esa película es la cara de susto de la Srta. Fanning cuando los extraterrestres se la quieren llevar – y porque brindó una actuación sobria y sencilla en “Nueve vidas” (2005), estuvo tierna y sensible en “La telaraña de Carlota” (2006) y logró una interpretación realmente meritoria en “La vida secreta de las abejas” (2008) dando vida a una niña blanca que es rescatada por una familia de mujeres negras en la Carolina del Sur de los años 60.

5. Catalina Sandino MorenoNo sé si se presenten muchas oportunidades para que Catalina muestre sus habilidades – el factor “étnico” a veces es un problema en el casting – pero definitivamente en “María llena eres de gracia” (2004) estuvo fantástica, brindó una interpretación sensible, inteligente y muy natural. También disfruté su participación en la película coral “París, je t’aime” (2006). De verdad me gusta mucho esta actriz, quiero ver más.

4. Giovanna Mezzogiorno

Con papeles importantes en “El último beso” (2001) y “La ventana de enfrente” (2003), una sensacional, contenida e inquietante interpretación en “La bestia en el corazón” (2004) y la expectativa que ha generado “Vincere” (2009), luego de su recorrido por algunos festivales internacionales, la bellísima y talentosa Giovanna Mezzogiorno es una de las jóvenes actrices italianas más prometedoras y con mayor proyección internacional que hay.

3. Anamaria Marinca
Sin importar qué tanta fama logre con el transcurrir del tiempo – no son muchos los actores rumanos mundialmente conocidos – jamás, jamás, jamás olvidaré a Anamaria Marinca en su feroz y natural interpretación, de una valiente joven atrapada en una horrible situación, en la descomunal cinta, ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2007, “4 meses, 3 semanas y 2 días”. Anhelo poder ver pronto sus películas más recientes: la británica “Cinco minutos de gloria” (2009) y la alemana “Storm” (2009), pero, OJO, desde ya sé que nunca la olvidaré gracias a “4 meses, 3 semanas y 2 días”.

2. Amy Adams
Atrás (muy atrás) quedó la época de películas de la serie Z (como “Cruel Intentions 2” o “The Last Run”). Amy Adams ha conquistado – con su cara de ardilla caricatura – un buen espacio en el panorama cinematográfico contemporáneo. La gran revelación vino a través de su extraordinaria interpretación de una joven sureña embarazada en “Junebug” (2005), a lo que siguió una fascinante, musical y perfecta creación de princesa de Disney en “Encantada” (2007). Amy cerró la década con dos buenos papeles junto a la titánica Meryl Streep: la monja inocente de “La duda” (2008) y la soñadora blogger de “Julie & Julia” (2009).

1. Evan Rachel Wood
Como actriz adolescente adquirió una magnífica experiencia en la serie de TV “Once and Again”. En el cine arrasó con su papel de Tracy en “A los trece” (2003), el duro drama independiente de la realizadora Catherine Hardwicke, donde Evan interpretó a una chica “white trash” cuya vida se hunde en un infierno de vicios y despropósitos. A partir de su alabadísimo rol en “A los trece”, Evan se convirtió en una experta al momento de interpretar a mujeres jóvenes poco convencionales. Me encantó como una estudiante malvada en “Pretty Persuasion” (2005), dando vida a una hija compasiva en “El rey de California” (2007), al ideal del amor juvenil en el psicodélico musical “Across the universe” (2007) y a una joven amante de la libertad en “La vida ante sus ojos” (2008).

RECUENTO DE LA DÉCADA: LAS 10 PELÍCULAS MÁS SOBREVALORADAS.

2009-12-26T16:17:00.019-05:00

Empecemos el fabuloso RECUENTO DE LA DÉCADA, recordando lo que hay que recordar de estos primeros 10 años del siglo XXI.
Estas diez películas tienen muchos admiradores y gozaron de un inmenso respaldo por parte de la crítica. Algunas de estas películas consiguieron muchos premios y nominaciones. Otras, además de los premios y las críticas favorables, se convirtieron en grandes éxitos de taquilla. Sabemos que existen más de 10 películas sobrevaloradas, pero estos diez títulos son, para mí, los más sobrevalorados de la década.

10. La reina (2006)
Dir: Stephen Frears. Con: Helen Mirren, James Cromwell, Michael Sheen.

La interpretación de Helen Mirren es magnífica en su sobriedad, en su manera de componer el personaje y en la forma en que transmite las tribulaciones internas de un personaje tan especial como la reina Isabel II, no obstante, una interpretación no puede soslayar el hecho de que “La reina” es un film aburrido, sin crescendo dramático, sin matices… es como una tostada sin mermelada.

9. American Gangster (2007)
Dir: Ridley Scott. Con: Denzel Washington, Russell Crowe, Josh Brolin, Ruby Dee y Chiweter Ejiofor.

Lo siento… me gustaron algunas escenas y un poco el feeling pero al final esta película de Ridley Scott con Denzel Washington y Russell Crowe es justo el tipo de cliché que uno espera de una película de Ridley Scott con Denzel Washington y Russell Crowe.

8. 21 gramos (2003)
Dir: Alejandro González Iñarritú. Con: Sean Penn, Naomi Watts, Benicio Del Toro, Melissa Leo.

La historia tiene gancho, despierta interés, pero Alejandro González Iñarritú carece del talento y la sensibilidad (o es demasiado egocéntrico) para dejar en manos de los personajes el peso de la misma… una lástima porque los actores están magníficos pero el conjunto parece pornografía para pretenciosos estudiantes de cine indie.

7. Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet (2007)
Dir: Tim Burton. Con: Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman y Sacha Baron Cohen.

El problema de “Sweeney Todd” es muy simple. No basta un director visionario ni un gran presupuesto para hacer un musical, lo primero es tener habilidad, ritmo y contratar gente que sepa cantar. La nominación al Oscar de Johnny Depp, a mejor actor principal por esta película, es la menos merecida de la década.

6. Hacia rutas salvajes (2007)
Dir: Sean Penn. Con: Emile Hirsch, Marcia Gay Harden, William Hurt, Jena Malone, Catherine Keener, Hal Holbrook y Vince Vaughn.

Su sentido de naturalidad es más superficial que esencial, es un desperdicio de excelentes actores, con un libreto panfletario que aborda una historia insustancial sobre un mozalbete que se queja de tener una posición cómoda en la vida e, irónicamente, nunca hace nada por otro ser humano.

5. Napoleon Dynamite (2004)
Dir: Jared Hess. Con: Jon Heder, Efren Ramirez, Jon Gries, Aaron Ruell y Tina Majorino.

Lo mejor de esta película es el baile de Jon Heder - ¡todo un clásico! – pero, a diferencia de lo que los críticos dijeron en su momento, yo no encontré nada diferente a una comedia teen del montón, salvo un buen grupo de personajes mil veces más detestables y un ritmo muy lento y aburrido.

4. Babel (2006)
Dir: Alejandro González Iñarritú. Con: Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal, Adriana Barraza y Rinko Kikuchi.

Básicamente esta película depende de cómo uno la vea y respeto a quien haya encontrado originalidad y humanidad aquí, no obstante, yo sigo viendo a un director pseudohumanista y pretencioso, una colección de historias que no conectan bien, personajes carentes de interés y un mensaje que supuestamente está allí pero que jamás es expresado con convicción.

P.D. Todavía quiero mis $3,95 de vuelta.

3. Borat: Lecciones culturales de América para beneficio de la gloriosa nación de Kazajistán (2006)
Dir: Larry Charles. Con: Sacha Baron Cohen, Ken Davitian, Pamela Anderson.

Admito, sí me reí algunas veces, pero ¿quién demonios es Sacha Baron Cohen para arremeter contra todos? Se supone que “Borat” es una sátira lacerante a la hegemonía yanqui pero termina siendo una ofensiva diatriba contra los negros, las mujeres, los judíos, las gallinas, los osos y la gloriosa nación de Kazajistán.

2. En terreno vedado (2005)
Dir: Ang Lee. Con: Heath Ledger, Jake Gyllenhaal, Michelle Williams y Anne Hathaway.

Toda la euforia por “En terreno vedado” se debe al tema gay que aborda y a que apareció en el contexto político ideal, sin embargo, es una película prefabricada para los premios Oscar, sin una nota de originalidad dentro de su largo metraje y donde la pasión – elemento clave para contar una historia de amor – está totalmente ausente.

1. El caballero oscuro (2008)
Dir: Christopher Nolan. Con: Christian Bale, Heath Ledger, Maggie Gyllenhaal, Aaron Eckhart y Michael Caine.

Sinceramente, la reacción ante esta película me da miedo. Me da miedo porque es una muestra fehaciente de que con una buena cantidad de dólares y una diabólicamente astuta estrategia de marketing uno puede convencer a millones de personas de cualquier cosa, como que “El caballero oscuro” es la mejor película basada en un comic, que posee una profundidad jamás antes vista en el género de superhéroes o que es una obra maestra. Lo que yo pude apreciar – y Dios sabe que cuando fui a la sala de cine a ver esta película, lo hice sin prejuicios, con todo el deseo de abrazar la experiencia con satisfacción – es una película repleta de secuencias de acción sumamente convencionales, sin una gota de humor, larga, aburrida y elaborada con ego de proporciones épicas, además, la historia es sumamente olvidable, los personajes resultan faltos de emoción e interés y, por último, Batman ni siquiera importa.

Gloria.

2009-12-19T23:01:00.006-05:00

La presente entrada se la dedico - con todo mi corazón - a un ser muy querido para mí que murió mientras escribía esta crítica. El dolor que siento en este momento bien se entrelaza con la naturaleza conflictiva y dramática de los personajes creados por el Sr. Cassavetes y a menudo representados con fiereza y honestidad por su admirable mujer, la Sra. Rowlands.

Título Original: “Gloria”
Dirección y guión: John Cassavetes.
Actores: Gena Rowlands, John Adames, Buck Henry, Julie Carmen, John Finnegan, Val Avery.
Año: 1980.
Género: Drama / Acción.

Las películas independientes siempre han tenido, para mí, un encanto muy especial, y si hablamos de películas independientes pienso que es trascendental la figura de John Cassavetes, un director que lo cambió todo, a partir de los años 60, al implementar una metodología para filmar sus películas con cámara en mano, iluminación natural, mínimo de recursos empleados en la puesta en escena y un estilo cercano al documental que enfatiza la espontaneidad de sus actores y, por extensión, de los complejos y conflictivos personajes de sus historias.

Cassavetes escribió el guión de “Gloria” con el propósito de venderlo a Columbia Pictures. Al principio, la intención de Cassavetes no era dirigir el proyecto, sin embargo, cuando le pidieron a su esposa, Gena Rowlands, que interprete el personaje principal, ésta le pidió a Cassavetes que dirija el film y así es como “Gloria” se convirtió en el penúltimo título de su filmografía. Estos antecedentes nos permiten colegir la esencia de “Gloria”, una película cargada de un elemento comercial – vinculado a la presencia de un gran estudio de cine impulsando su realización – en la que, curiosa y gratamente, prevalece la personalidad del director… es como si Cassavetes no pudiese resistir ser él mismo. El resultado es un film que huele a Cassavetes todo el tiempo y se erige como una cinta de crimen, mafia y acción que rompe el molde, única en su género, enormemente placentera en sus detalles y muy bella en la manera que se toma su tiempo para desarrollar los aspectos psicológicos y emocionales de su personaje central.

Gloria Swenson (Gena Rowlands) es una mujer definida, al menos al servicio de la historia, por sus imperfecciones, sin embargo, desde el principio se nos permite apreciarla como un ser humano multidimensional y lleno de matices. Esta mujer, con un pasado dudoso y carente de instinto maternal, se ve obligada, básicamente por un asunto de conciencia moral, a salvar a un niño (John Adames) de las garras de la mafia, situación que la conduce a forjar una relación especial e inesperada con un ser que necesita desesperadamente de su ayuda, a confrontar su pasado y a descubrir a la heroína que vive en su interior. En mi opinión, Gloria es uno de los mejores personajes femeninos jamás vistos en el cine y, personalmente, no creo que sea coincidencia que éste sea el resultado de una colaboración tan vital y fructífera como la que se produjo entre John Cassavetes y Gena Rowlands – marido y mujer en la vida real – no solo en ésta sino en un total de diez obras, la mayoría de corte personal y realizadas con un bajísimo presupuesto. Pienso que John Cassavetes no pudo encontrar a una actriz mejor que Gena Rowlands para personificar a la mujer en eterno conflicto que sus películas inmortalizaron así como Rowlands nunca pudo encontrar a un director mejor que Cassavetes que le permita crear personajes ricos y complejos y desarrollarse como una actriz capaz de entregar su alma al cine. “Gloria” es un gran ejemplo de esta colaboración conyugal y profesional, Gena Rowlands obtuvo una nominación al Oscar en la categoría de mejor actriz principal, en 1981, mientras John Cassavetes se llevó a casa el León de Oro del Festival de Venecia de 1980, pero más allá de los premios, lo que me interesa de verdad, es que juntos crearon una película realmente emocionante y un personaje icónico y muy especial.

Hay muchos motivos por los cuales “Gloria” es, más que una simple película, una auténtica experiencia. Para mí es muy interesante la forma en que Cassavetes trata el material y lo lleva a otro nivel, haciendo de lo que pudo ser una película de gángsters estándar una pieza de arte alimentada por la presencia de un personaje femenino fuera de serie. Encuentro fascinante el tono errático de muchos momentos de la cinta, fluyen con naturalidad, es como ver personas de verdad y no actores, es el genio de Cassavetes emergiendo a través de las escenas en el marco de una película fabulosamente entretenida. No hay un solo momento aburrido en “Gloria”, la condenadamente genial interpretación de Gena Rowlands, el estilo de Cassavetes incorporado a un material no tan usual en su filmografía, el elemento emocional desarrollado a través de la relación mantenida entre Gloria y el niño, la acción trepidante, el suspenso, las balaceras y las persecuciones no dejan espacio para el tedio, todo es muy entretenido aquí y me da la impresión de que Cassavetes se divirtió mucho filmando este carnaval lleno de energía y originalidad.

A+

CONFIDENCIAS II

2009-12-10T15:32:00.000-05:00

CONFIDENCIAS

Por
Horacio Otheguy

«Aprovecha la ocasión», me dijo una voz envolvente durante un sueño, y desperté andando por zona inexplorada. «La muerte es otra cosa», insistió la voz y desde luego, muy distinta a cuanto las películas me han estado contando. Lo primero, sorprende descubrir que allí no hay actores geniales y tímidos espectadores sedientos de pasión: sólo amigos que conversan, ya sin necesidad de protegerse de los golpes de la vida, abandonados a la suerte de sus recuerdos y sus emociones.

GENA ROWLANDS,
UNA DE JOHNGENA SIN ALCOHOL

Llevaba varios días intentando comunicarme con ella pero su teléfono siempre comunicaba o nadie lo atendía. Marco su número por inercia cuando de pronto atiende su inconfundible voz: cálidamente anciana, con un color acariciante y una preferencia: ir a lo esencial y no perder el tiempo en conversaciones sin importancia: «Compréndeme, sólo soy una actriz con la suerte de su lado cuando tocó hacer personajes importantes, pero por lo demás soy una mujer tranquila, sin aspiraciones extraordinarias, y menos ahora… a mi edad».

Sin embargo, a pesar de su actitud, en ese primer contacto nada fue normal y corriente, presagiaba el misterio y el extraño encanto de lo que vendría después. Hubo pausas extrañas, una tensión sin crispación, silencios largos en los que ninguno de los dos estábamos incómodos, a pesar de no conocernos. Parecía saber lo que yo necesitaba y yo me encontraba tan a gusto como si hubiera formado parte de los amigos de la familia de Rowlands y de John Cassavetes, su compañero-actor-director, muerto hace 20 años por causa de una feroz pareja masculina que le dominó con altas dosis de sadismo: el tabaco y el alcohol.

Yo ansiaba conversar acerca del ilustre pasado, y no me defraudó. Aspiraba a una larga conversación sobre sus interpretaciones más importantes, las de aquellos gozosos tiempos en que trabajaba con su marido: el hombre con quien tuvo tres hijos (todos ellos también dedicados al cine), y con el que compartió una intensa experiencia artística y vital: basta verles en sus comienzos, jóvenes decididos a emprender juntos toda clase de riesgos; y así fue, admirable pareja con las ideas muy claras; por un lado trabajaban en la industria del cine y el teatro para cobrar el dinero que les permitiera sufragar su vida familiar y las películas fuera de circuito de su propia creación, casi todas rodadas en su propia casa, que fueron mejor comprendidas y más aplaudidas en Europa, pero que aún así nunca dieron beneficios económicos… Cine y teatro en el que John y Gena y familiares y amigos brillaban con luz propia, en una libertad casi animal, poseedores de una luz fantástica que jamás deslumbraba, una luz portadora de intensas emociones, siempre dispuestos a darlo todo con tal de lograr que afloraran los sentimientos de los personajes impúdicamente «batidos» con los sentimientos de los propios actores. A Cassavetes le urgía huir de los convencionalismos, dejar volar las emociones que la sociedad bienpensante castiga con una represión inmisericorde.

Y en ese mundo Gena encarnó mujeres bravías, fuertes, neuróticas, fascinantes que surgían del corazón de su marido, un escritor admirable, un director insólito, un actor con inconfundible estilo y en todos los casos, un hombre honrado siempre fiel a su pensamiento: «Mis personajes no son corrientes, no pueden seguir el ritmo de los demás, suelen quedarse a un lado, pero se aferran a la vida por mucho que les cueste y siguen en pie, no se dan por vencidos en su búsqueda de amor. Están un poco locos o muy locos, como yo y como la mayoría, aunque no queramos confesarlo. Por eso en mis trabajos estos personajes no se disfrazan con unas convencionales normas de conducta social: son ellos mismos, siempre son ellos mismos sin ningún pudor, por eso parece que estamos haciendo un documental, un psicodrama, una sesión psiquiátrica a campo descubierto».

Virginia Cathryn Gena Rowlands escucha como yo la voz de su Johnny, y me toma del brazo para andar más lentamente por su jardín, el mismo por el que deambulaba sola cuando él estaba muy mal, consumido su cuerpo, y el abdomen hinchado, pero con momentos de lucidez en los que hacía bromas y disfrutaba cuanto podía de la vida. En los breves momentos en que John descansaba, Gena se venía a este jardín a recibir el consuelo de la naturaleza bien mimada y a sentarse en la pequeña mesa redonda del fondo; allí me conduce y me sirve una taza de café humeante; a nuestro lado Cassavetes sólo se dirige a ella en gestos más que en palabras; se mueve como si aún fumara, bebiera y escribiera [«No sabes, Gena, qué bien se está aquí con esta sensación de seguir haciendo las mismas cosas, sin riesgo alguno, sin enfermedad posible»]; a veces desaparece y luego vuelve con su sonrisa más cálida, siempre admirado de observar y escuchar a la única mujer por la que sintió absoluta admiración. Y ella habla conmigo en voz baja, como un susurro, en un estado de éxtasis porque se ha introducido en otro mundo para articular palabras de este.

— Ya sabes que nos conocimos con poco más de 20 años, estudiando teatro, y fue algo tremendo el modo en que nos gustamos. Nos enamoramos de una manera absoluta, de entrega total y enseguida John se entregó de lleno a escribir pensando en mí para sus papeles de mujeres desafiantes; por otra parte yo fui siempre una actriz dispuesta a representarlo todo, breve o largo, importante o secundario; con el tiempo hice de todo, musicales incluido, y sobre todo tenía algo que él admiraba mucho, mi disposición a entregarme en alma y vida a sus creaciones. Todo era muy excitante.

— ¿Excitante y peligroso?

— Casi siempre, sí. A algunos actores les fatigaba enormemente, se enfadaban por tanta exigencia, ya que John odiaba decirnos lo que teníamos que hacer: nos daba un guión y mucha libertad para expulsar los demonios de las emociones, podíamos estar muchas horas, él nunca se cansaba, no le importaba que después tuviera que tirarse meses para editar y seleccionar adecuadamente las secuencias: sus creaciones necesitaban ese espíritu libre, divertido o desesperado de las personas. En mi caso, bueno, Mabel fue lo más duro, también Myrtle Gordon, pero ya en otra medida.

— Se refiere a la Mabel de Una mujer bajo la influencia y a la Myrtle de Opening Night: son dos obras maestras que dan la sensación de hacerse improvisando.

— Siempre trabajábamos con un guión bien estructurado y con unos personajes con líneas definidas, pero todo el mundo debía poner de su cosecha personal, de su entrega diaria para que los sentimientos, las tensiones, los conflictos entre ser uno mismo y quienes te rodean adquieran riqueza dramática, artística. De eso se trataba. Y, claro en el caso de Una mujer bajo la influencia teníamos que entregarnos sin ningún pudor al drama más temido en una familia, el del trastorno mental de uno de los miembros. Esa película me permitió acceder a experiencias que nunca había tenido; conocí el mundo de Mabel aportándole muchas cosas mías que iban surgiendo mientras rodábamos, gestos, ruidos con la boca, maneras de caminar, de amar, de enternecerme y violentarme… y John nos rodeaba de cámaras y además llevaba una en el hombro y nos seguía por todas partes.

— Resulta especialmente dura la secuencia de la aparición del médico.

— Es la gran secuencia del final de la primera parte, cuando estoy con mi marido, que interpretaba nuestro gran amigo Peter Falk, los dos nos entregamos en un grado muy intenso, tanto que John luego me contó que pasó mucho miedo de que yo me trastornara de verdad, como el personaje, y yo misma tuve ese temor; asusta mucho encontrar en una misma reacciones de ese tipo, semejante inadaptación a la realidad que te rodea. Hay que tener en cuenta que la larga primera parte de la película tiene una tensión tremenda; es una realista sucesión de situaciones cotidianas de esta familia, acompasadas por las alteraciones de esta mujer para quien el guión exigía el mejor de los mundos posibles. Y el final de la primera parte es muy impactante: está allí presente una gran crisis, un médico que la quiere llevar a un hospital, ella que no quiere, su suegra que la increpa. Luego, en la segunda parte, hay otro tono, con otro tipo de tensión y un final maravilloso. Una mujer bajo la influencia nos ha dado muchas satisfacciones, sin duda, y hoy creo que es lo mejor que hice nunca.

— Tengo entendido que la mayor satisfacción se produjo en febrero de 1989.

— Sí, puede decirse así. En un festival de cine en Holanda nos habían invitado a los dos para una proyección de la película, un homenaje a nuestro trabajo y después nos obsequiaban con un largo fin de semana en Amsterdam. Pero John ya estaba muy mal, no podía viajar. Le pidió a uno de sus mejores amigos, Peter Bogdanovich, que fuera en su lugar, y Bogdo (siempre le quisimos mucho y le pusimos ese nombre en casa, el único lugar en que le llamábamos así, como si fuera un entrañable gran danés) fue con su esposa. John entró en declive cuando empezó la proyección y murió horas después que Bogdo agradeciera en su nombre los calurosos aplausos. Llegó a enterarse que fue un gran éxito.

— Nadie se había atrevido a tratar ese tema en el cine. Cassavetes fue un innovador en muchos sentidos, creador del cine independiente, le llama Scorsese.

— Se querían mucho con Martin. Sí, éramos conscientes de la innovación porque en la industria todo era muy elemental e insincero. Nosotros considerábamos que el drama del trastorno mental queríamos tratarlo sin encierros, con una antipsiquiatría basada en el amor; fue algo que tiempo después se fue desarrollando en algunas partes del mundo: la convivencia con la normalidad de la vida cotidiana de la gente. Esa es una apuesta firme, ya que está demostrado que hay mayor cantidad de crímenes cometidos por gente adaptada a la sociedad, al sistema, que los cometidos por enfermos mentales.

— John ya había intentado ese planteamiento en Ángeles sin paraíso (A child is waiting), en 1963.

— Sí, justamente diez años antes de Una mujer bajo la influencia; en A child is waiting hice un breve papel muy antipático, horroroso, el de una madre burguesa que rechaza a su hijo por una discapacidad en gran medida desarrollada por la tensión familiar.

— ¿Aquella producción terminó tan mal como se rumoreaba en los Estudios?

— Peor aún. Hay cosas que sólo sabemos los más íntimos, como Bogdo o Ben [Gazzara]. John ya había tenido algunos encontronazos con el productor Stanley Kramer sobre el objetivo de la película, pero John creía que las conversaciones iban por buen camino.

— Pero acabaron enfrentándose duramente.

— Estaban en casa hablando de la película, que ya estaba terminada. Y en esas que suena el teléfono; un amigo le dice a John, a sabiendas de que tenía enfrente a Stanley: «Cuidado, Kramer está montando la película a tus espaldas». Entonces John reaccionó muy mal, le increpó: «¿Es cierto que estás montando la película a mis espaldas?». Kramer cruzó las piernas y respondió, muy tranquilo: «Es cierto, un productor como yo tiene ese privilegio». Quería seguir hablando pero no le dejó. Le levantó de las solapas y le dio un empujón que le llevó contra la pared, donde podría haberlo matado.

— Kramer ya era un tipo poderoso.

— Yo detuve la trifulca. Kramer no se defendió física ni mentalmente, salió muy tranquilamente y se despidió con un «buenas tardes», como si no hubiera pasado nada. La película se estrenó con su montaje. Y su venganza fue incluir a John Cassavetes en una lista negra de hombre irascible, loco, con el que resultaba imposible trabajar. Estuvimos tres años viviendo de mis trabajos en teatro y televisión.

— ¿Cómo se rompió la maldición de Kramer?

— Con la bendición de Robert Aldrich, un hombre muy independiente, que trabajaba mucho pero no se casaba con nadie. No eran amigos, creo que ni se conocían. Le llamó para Doce del patíbulo, una superproducción muy ambiciosa, y a los pocos días le dio carta blanca para que recreara su breve personaje, que hiciera lo que quisiera. A John le entusiasmó la idea, tenía tantas ganas de trabajar en equipo, que se entregó por completo y realizó un trabajo memorable: en aquella película coral su personaje fue más largo, con mucha fuerza, y desde entonces ya no hubo marcha atrás.

— Después de Una mujer bajo la influencia, para usted escribió tres historias con mujeres de talante extraordinario: Myrtle Gordon (Opening Night, 1977), Gloria Swenson (Gloria, 1980) y Sarah Lawson (Love Streams, 1984): una actriz en grave crisis, la amante de un mafioso y una hermana atormentada.

— Ninguna tuvo la dificultad ni la riqueza de Mabel, aunque todas han de luchar con una conducta asocial e integrarse en la vida de los otros porque necesitan el amor de los demás. Ese era el gran tema de John y yo tuve la inmensa suerte de estar allí y ocuparme de sus emblemáticas mujeres. El caso de Myrtle lo he vivido como actriz secundaria, acompañando a primeras actrices que bebían más que Myrtle.

— ¿Cómo es posible beber tanto y mantenerse en pie?

— Yo también me preguntaba cómo se podía beber tanto y hacer la función de la noche como si nada y después derrumbarse, sí, pero es algo tremendo: ves vaciarse las botellas de alcohol fuerte en el camerino desde horas antes de empezar y luego una maravilla.

— ¿Qué le supuso interpretar a Myrtle, meterse en la piel de una primera figura del teatro con tantos temores?

— Muy difícil, ciertamente: por un lado interpretaba a una alcohólica que se va emborrachando cada vez más durante dos horas y media, y por otro a una actriz en crisis que vive e imagina situaciones terribles, y finalmente la brillantez del gran epílogo en gran medida improvisado con John en escena, en un teatro lleno de amigos y de amigos de amigos. Nos lo pasamos muy bien haciendo esa película que ha gustado tanto en todo el mundo, pero yo nunca me identifiqué con ese drama de la actriz que se siente aterrorizada ante el paso del tiempo. Nunca me preocupó. Aquí me ve usted con casi 80 años tan ricamente.

— Cuando John bebía tanto whisky, ¿usted también le seguía?

— Muy poco y rara vez. Él y sus amigos bebían muchísimo, pero el único que lo terminó pagando físicamente fue él. No se emborrachaba jamás, ni habiéndose bajado una botella de whisky mientras trabajaba se le veía raro. Buscaba emborracharse pero sólo se embriagaba de emociones. Yo creo que durante todos esos años sólo he bebido grandes dosis de johngena sin alcohol.

— ¿Lo sigue tomando?

— A todas horas. El johngena fue un gran cocktail en nuestras películas posteriores, muy distintas a todas las anteriores. Una bebida que nos daba energía, lástima que Cassavetes la tomaba en su propia versión, con demasiado whisky. Aún así, fueron experiencias maravillosas.

— Gloria y Love streams.

— Gloria fue un viaje vertiginoso a un mundo de acción bien cargada de sentimientos y acompañada por un niño fuera de serie. ¡Qué gusto, al fin hacía de mujer dura capaz de empuñar una pistola! Fue muy emocionante, sin duda. Y surgió de un golpe de suerte porque querían que la dirigiera Bogdanovich con Barbra Streisand, y BS no aceptó y pasó el encargo a John. Se encontró ridícula en ese papel de amante de un mafioso corriendo peligro con un niño de aquí para allá. Una suerte para mí, eso que tanto necesitamos los artistas, un buen golpe de suerte de vez en cuando.

— Y después el más difícil todavía, Love streams.

- Sarah Lawson fue el único personaje del que me ocupé cuatro veces: hice cuatro versiones de ese personaje.

— ¿Fue la única película que primero estrenó en teatro?

— Así es.

— Ustedes tenían una sala pequeña.

— Muchos amigos de distintas profesiones participaron desinteresadamente en la reconstrucción de aquella sala de ensayos desvencijada. Sólo entraban entre 50 y 80 espectadores, según el montaje, pero siempre había mucho escenario para los actores, para quienes John escribía todas sus obras feliz de vernos trabajar de sol a sol, cobrando o sin cobrar, como él mismo hacía, volcados con pasión en nuestro trabajo. Love Streams la estrené con Jon Voight, hicimos muchas funciones, y estaba entusiasmado con la versión cinematográfica, pero en el último momento hubo problemas y John decidió por primera vez en su vida dar el triple salto: guionista, director y protagonista. Por eso digo que la hice cuatro veces, y fueron cuatro experiencias muy distintas, teatro, cine, dos ámbitos tan distintos que obligan a recrearse constantemente; con un actor como Voight era una Sarah y por último la cuarta vez con el propio John Cassavetes que a su vez dirigía. Era la primera vez que representábamos una historia de amor o de búsqueda del amor desesperada entre hermanos.

— ¿Les resultaba difícil no seguir trabajando en casa?

— No, porque tres niños son bastantes niños con sus voces, sus locuras, sus propias ideas y sobre todo su necesidad de ser atendidos y escuchados. Y por otra parte John en eso era un hiperactivo que siempre estaba interesado en la siguiente obra, en el siguiente guión, tenía montones de ideas y siempre se empeñaba en no dejar a medias ninguno. Siempre había nuevos temas, nuevos personajes.

— Luego volvieron a trabajar juntos.

— Sí, en películas menores, sin importancia; y él dirigió otra película en la que yo no participé. Pero nunca nada tuvo la fuerza ni el genio de John, su última película como director fue Big Trouble, muy divertida, sí, con algunos de sus grandes amigos, una comedia de reírse, que era algo que él hacía mucho. Recuerdo que Jerry Lewis le apreciaba mucho, y una vez le dijo: «Tus películas son muy duras, John, pero con las mías eres el mejor de los reidores del mundo».

— ¿En el año 84 de Love Streams, se desencadena su enfermedad?

— Sí, allí empiezan cinco largos años de mucho sufrimiento.

- ¿Es verdad que usted nunca quiso asistir a los homenajes a su marido?

— Algo así. Unos pocos los pude evitar, pero a los que asistía me las ingeniaba para no ver las proyecciones. No me importaba oír su voz porque la oigo a diario, pero me negaba y me niego aún volver a ver a aquellos jóvenes tan hermosos y llenos de vida de nuestros primeros años, es algo que me supera, lo único ante lo que soy capaz de perder los papeles.

Gena está muy emocionada. Nos cogemos de la mano y cerramos los ojos. Una agradable sensación de solidaridad nos recorre a los dos.

Cuando me despido le doy un largo abrazo.

Detrás de ella no hay ningún jardín, ni mesa redonda con cafetera y tazas ni rastros de Cassavetes.

Sí hay, en cambio, una nube de humo y olor a tabaco.

La luz decrece. El telón empieza a caer lentamente tras un final abierto, esperanzado, emocionante. A la manera de Opening night y mejor aún de Una mujer bajo la influencia, en la que Peter Falk corre una cortina transparente a manera de telón, la vida se nos va de las manos con ternura, aspirando a un mundo mejor, sobre todo aspirando a un mundo donde seamos aceptados tal cual somos y se nos abrace por ello.

DOS MUJERES: Uma Thurman y Laura Dern.

2009-12-01T20:44:00.016-05:00

… Porque mi obsesión por las actrices no tiene límites, un día me hice a mí mismo una pregunta: “¿Qué es mejor que una gran actriz?”... y yo mismo me respondí: “¡Dos grandes actrices!”

Uma Thurman y Laura Dern son dos de mis actrices favoritas debido al interés que despiertan en mí sus más atrayentes creaciones y el enorme potencial que he apreciado en ambas estrellas durante muchos años. Las dos son actrices estadounidenses con algunas cosas en común además de su nacionalidad y el blondo color de sus cabelleras. Su estatus de “it-girls” de principios de los 90 las llevó a convertirse en colaboradoras comprometidas de dos de los directores más radicales, distintivos e influyentes del cine contemporáneo y hoy, a pesar de que los buenos papeles femeninos suelen ser escasos, estas dos talentosas mujeres continúan con sus carreras artísticas tanto en el cine comercial como en el cine independiente. Más allá del éxito, o de los encantos de la celebridad y la alfombra roja, lo que me apasiona de Uma y Laura es que frente a la cámara han demostrado ser absolutamente valientes para asumir desafíos y romper el molde haciendo cosas diferentes, siempre renuentes al encasillamiento, resueltas a nunca ser aburridas.

Al recordar detalles interesantes sobre las carreras de Uma y Laura, saltan a la vista las similitudes. Ambas actrices comenzaron a adquirir notoriedad a finales de los 80, Uma en medio de dioses y monstruos en el sexy drama de época “Las amistades peligrosas” (1988) y Laura inmersa en el retorcido universo del celebrado film de culto “Terciop elo azul” (1986). Sin proponérselo, las dos intérpretes se convirtieron en las protagonistas de controvertidas y violentas películas ganadoras de la Palma de Oro, el máximo galardón otorgado por el jurado del Festival de Cannes, Uma dando vida a la esposa fuera de serie de un gángster en la celebérrima “Pulp Fiction” (1994) y Laura como una picante joven que escapa de casa, junto a su novio convicto, en la cinta “Corazón sal vaje” (1990). Luego de varias fórmulas exitosas, Uma Thurman es reconocida como la colaboradora número uno del director Quentin Tarantino mientras Laura Dern es, de igual modo, considerada como la actriz por excelencia del realizador David Lynch.

Durante la presente década tanto Uma como Laura siguen encantando a sus seguidores, cada una a su manera. Ambas ganaron premios Globos de Oro por sus papeles en interesantes producciones de HBO, Uma por su sensible retrato de una neurótica mujer en busca de cariño en el film “Ciegas de amor” (2002) y Laura por su aguda personificación de la controversial Secretaria de Estado de Florida, Katherine Harris, en la cinta “Recount” (2008). Uma Thurman colaboró con Quentin Tarantino en los dos volúmenes de la saga “Kill Bill” (2003 y 2004) mientras Laura Dern unió fuerzas, una vez más, con David Lynch en la pesadilla experimental “INLAND EMPIRE” (2006). Tanto Uma como Laura han participado en varias producciones de corte independiente que les han permitido desplegar habilidades escénicas poco frecuentes en el cine comercial, de este modo Uma pudo ser apreciada desde una nueva perspectiva en la austera película “Tape” (2001), junto a Ethan Hawke y Robert Sean Leonard, mientras Laura se lució en el drama “Ya no somos dos” (2004), junto a Mark Ruffalo y Naomi Watts.

Yo adoro a Uma Thurman y Laura Dern, para mí ha sido muy emocionante escribir sobre ambas en una sola entrada… ha sido una experiencia divertida que me ha llevado a recordar algunos momentos especiales de mi largo e inacabado (siempre inacabado) viaje por el cine de ayer, hoy y mañana, pero como todo lo bueno debe terminar, he aquí un par de cápsulas de estas dos mujeres extraordinarias que espero continúen trabajando muchos años más, creando, desafiando y emocionando.

UMA THURMAN

Fecha y lugar de nacimiento: 29 de abril de 1970. Boston, Massachusetts.

Familia: Padre, Robert Thurman (destacado filósofo y profesor universitario, autor de libros y difusor del budismo en Occidente); Madre, Nena Thurman (psicoterapeuta).

¿Dónde la vi por primera vez?: “Batman & Robin” (1997).

Mis cinco actuaciones favoritas (en orden de preferencia): 1. Debby, una mujer de Jersey con problemas emocionales, en “Ciegas de amor” (2002); 2. Amy, presunta víctima de un ataque sexual que enfrenta el pasado, en “Tape” (2001); 3. Beatrix Kiddo, vengadora experta en artes marciales, en “Kill Bill Vol. 1 y Vol. 2” (2003 y 2004); 4. Mia Wallace, la cocainómana y caprichosa esposa de un gángster, en “Pulp Fiction” (1994); 5. June Miller, la erótica musa de dos controversiales figuras de la literatura universal, en “Henry & June” (1990).

Directores interesantes con los que ha trabajado: Quentin Tarantino, Mira Nair, Richard Linklater, Philip Kauffmann, James Ivory, Woody Allen, Stephen Frears, etc.

Nuevos proyectos: Interpreta a la mítica Medusa en “Percy Jackson: the Lightning Thief”, será una monja en el drama “Girl Soldier”, se convertirá en la obsesión amorosa de un hombre más joven en la comedia “Ceremony”, enamorará a Robert Pattinson en el drama de época “Bel Ami” y encarnará a Beatrix Kiddo nuevamente en la anticipada “Kill Bill Vol. 3”.

LAURA DERN

Fecha y lugar de nacimiento: 10 de febrero de 1967. Los Ángeles, California.

Familia: Padre, Bruce Dern (actor de cine, nominado al Oscar por “El regreso”); Madre, Diane Ladd (actriz de cine, nominada al Oscar por “Alicia ya no vive aquí”, “Corazón salvaje” y “Noches de rosas”).

¿Dónde la vi por primera vez?: “Parque jurásico” (1993).

Mis cinco actuaciones favoritas (en orden de preferencia): 1. Terry, una mujer arrastrada al adulterio por su propio marido, en “Ya no somos dos” (2004); 2. Nicky, la actriz envuelta en una incomprensible pesadilla surrealista, en “INLAND EMPIRE” (2006); 3. Katherine Harris, figura clave en la dudosa victoria presidencial de George W. Bush, en “Recount” (2008); 4. Lula Fortune, una chica fogosa y dispuesta a todo por su hombre, en “Corazón salvaje” (1990); 5. Sandy, la inocente hija del sheriff de un pueblo extraño, en “Terciopelo azul” (1986).

Directores interesantes con los que ha trabajado: David Lynch, Peter Bogdanovich, Alexander Payne, Robert Altman, Steven Spielberg, Martin Scorsese, etc.

Nuevos proyectos: Interpreta un rol secundario en el drama independiente “Tenderness”, junto a Russell Crowe, e integra el reparto de “Little Fockers”, junto a Robert De Niro y Ben Stiller. Su más prometedor papel viene a través del protagónico de una serie de HBO titulada “Enlightened”.

El milagro de Ana Sullivan.

2009-11-17T15:47:00.001-05:00

Continuando con el exquisito aroma de la Sra. Bancroft, he aquí mi reseña de mi película favorita de su filmografía.

Título Original: “The Miracle Worker”
Dirección: Arthur Penn.
Guión: William Gibson (basado en la pieza teatral de su autoría).
Actores: Anne Bancroft, Patty Duke, Victor Jory, Andrew Prine, Inga Swenson, Kathleen Conegys.
Género: Drama.
Año: 1962.

Con la inteligente dirección de Arthur Penn, una historia sorprendente, escenas revestidas de una perfección abrumadora – preste especial atención a los once minutos durante los cuales Ana enseña a utilizar la cuchara a Helen – e interpretaciones magistrales y modélicas por parte de Anne Bancroft y Patty Duke, “El Milagro de Ana Sullivan”, es un auténtico testimonio de buen cine, película de belleza conmovedora, raro caso en el que el sentimentalismo no soslaya al sentido común (ni viceversa)… obra que, simplemente, como su nombre lo anuncia, es un verdadero milagro.

Basada en una famosa pieza de teatro e inspirada en una historia verídica, la película, narra la llegada de Ana Sullivan (Anne Bancroft), una maestra joven y determinada, a la residencia de los Keller, donde debe educar a Helen (Patty Duke), la hija ciega y sorda, desde su nacimiento, de la familia. Aquello que comienza como una tarea imposible termina convirtiéndose en una jornada de confrontaciones que pone a prueba la indomable fuerza del espíritu humano, hasta llegar a cumbres de rebosante júbilo.

En “El Milagro de Ana Sullivan” los personajes son humanos y profundos, la narrativa es absorbente y cada escena evoca las emociones precisas, dando como resultado una cinta absolutamente perfecta que, además, exalta la paciencia, la creatividad y la fe, así como nos recuerda el valor de aquellas criaturas que, lejos de merecer nuestra pena, merecen nuestra más sincera admiración.

A+

CONFIDENCIAS I

2009-11-10T15:45:00.003-05:00

CONFIDENCIAS.

Por
Horacio Otheguy

«Aprovecha la ocasión», me dijo una voz envolvente durante un sueño, y desperté andando por zona inexplorada. «La muerte es otra cosa», insistió la voz y desde luego, muy distinta a cuanto las películas me han estado contando. Lo primero, sorprende descubrir que allí no hay actores geniales y tímidos espectadores sedientos de pasión: sólo amigos que conversan, ya sin necesidad de protegerse de los golpes de la vida, abandonados a la suerte de sus recuerdos y sus emociones.

ANNE BANCROFT, ETERNA SEDUCCIÓN

Imagen: Revista People.

Me zambullo en un sinfín de imágenes suyas para poder conectar y trasladarme allí donde esté.

Un sinfín de fotogramas en breves y largos papeles, en magníficas, buenas o interesantes creaciones.

Aquí, en el otro lado, no hay paisaje a la vista, ni gente, aunque parecen moverse grupos de personas a lo lejos. El ambiente se parece bastante a un escenario desvencijado en vísperas de ensayos. Me han dicho que debo insistir en verla actuar, en oírla a lo largo de la mayor cantidad de películas posible: «esta es la forma de entrar allí y de que pueda hacerte algún caso».

Ya escucho su voz aún lejana; de pronto, algo más sonora, una de sus variadas carcajadas, y de repente, susurros; inolvidable manera de susurrar decisiones incontestables, o imponer su deliciosa capacidad de seducción. Aparece y desaparece, no sé si por fallo técnico del lugar o por mero deseo de jugar, traviesa como ella sola.

Adquiere luminosidad un simpático primer plano: la veo tumbada en el suelo, entre almohadones, con un gran prismático enfocado hacia la Tierra. Sí, mira a su marido Mel Brooks divirtiéndose de lo lindo, cantando y bailando a sus 83 años rodeado de guapas jovencitas medio desnudas.

Anne Bancroft se dirige a mí sin dejar de mirar al gran cómico del splastick, la comedia de las bofetadas y los tropezones. «Mira qué feliz es, qué sano y divertido se le ve aún». Y ya le lanzo la primera pregunta ansioso, temeroso de que vuelva a desaparecer de mi vista esta maravillosa actriz infatigable y encantadora, dueña de mil y un recursos incluso en esta parte del universo.

Me causa gracia su generosa actitud para con el viejo Brooks y no puedo reprimir una pregunta elemental: «¿Ya tienes plaza reservada para tu chico?».

— Qué va, muchacho, por allí estáis muy equivocados… de ese tema no se sabe nada por aquí; es cosa rara, insólita casi siempre, no sé los demás, pero por lo que yo sé es una tontería pensar que la gente vuelve a encontrarse después de muerto; es que, tanto si es para bien como para mal, esto es otra cosa. No creo que volvamos a estar juntos, para nada, pero me gusta mucho verle disfrutar, y de momento parece que esto funciona porque cada vez que se me ocurre me instalo aquí y observo cuanto se me antoja. Y lo único que se me antoja es verle a él, mi gran amigo, mi gran amor… divertirse entre jovencitas, ese sueño tremendo de la mayoría de los hombres mayores.

Platicamos mucho tiempo en un lugar donde el tiempo parece no existir. A ratos conversamos en un viejo café de Broadway, a ratos en un parque bajo la lluvia, a veces entre anónimos paseantes, a menudo en medio de un silencio muy agradable, sin decorados. Anne apostilla: «¿A que eso se parece a una obra moderna en la que no hay escenografía y cuanto sucede parece que no sucede; sí una obra extraña».

Su aspecto nunca es estático: sólo veo lo que yo recuerdo o imagino, no sé cómo está aquí en realidad; un aspecto de gran actriz, muy cambiante, sorpresivo y divertido con uno que otro susto, según la rapidez con que desfilan mis bancroft por mi mente.

Es una conversadora compulsiva, una dama curiosa, una chica audaz que ama el trabajo y la vida. A veces habla como un torbellino invadida por los recuerdos, casi siempre pacíficos, rara vez desagradables.

Anne Bancroft o el amor absoluto por interpretar a otras mujeres: siempre fuertes, desafiantes, insólitas y seductoras.

— Si no fuera por Mel, que se ocupaba de que no me faltaran estupendos guiones, en los últimos años de mi carrera recibía una enorme cantidad de basura, algo impensable 20 o 30 años atrás; sí, como lo oyes, se lo debo a él, a ese cómico desvergonzado e insolente con todo el mundo; fue productor de “El hombre elefante”, por ejemplo, y un gran asesor en otras que no producía; es que además de ser un gran hombre de teatro y cine cómico —el número uno, sin duda— es un fuera de serie en muchas otras cosas. Creo que hemos sido la pareja más original de este negocio de locos en el que todo el mundo se divorcia a la primera porque, claro, hay tantas tentaciones, tanta gente divertida, hermosa, sensual, joven, qué sé yo, todo el mundo enloquecido por encontrar a la pareja perfecta, sin darse cuenta de que lo perfecto es imposible; pero nosotros nunca temimos por nuestra unión: una unión en color by de luxe entre el héroe y su doncella. [Risas]. Somos tan distintos que nadie lo hubiera dicho, pero nos admiramos mutuamente desde el primer momento y desde entonces todos los focos de la armonía y la diversión sobre nosotros, y también sobre nuestro único hijo, el divino Max.

— … ¿Y eso cómo ha sido posible?

— y qué sé yo, porque sí, a veces no hay otra que el porque sí, aunque quede feo y no se pueda decir en público [generosa sonrisa que se va borrando como si pensara en algo dramático], sí, la verdad es que hay muy pocas cosas que se pueden decir en público.

— ¿Por qué?

— Por varios motivos pero sobre todo porque se malinterpreta con facilidad y los medios de comunicación —que a mí me han tratado siempre bien, muy bien, y a lo mejor por encima de mis méritos— son en general muy peligrosos y a la primera de cambio ponen en tu boca palabras que jamás se te hubiera ocurrido decir.

— Bueno, usted siempre ha sabido mantener las distancias con elegancia y simpatía.

— Algo de eso hay, pero también hay que tener en cuenta que para un actor que ha luchado tanto como yo y que arrancó con fuerza gracias a uno de los papeles más difíciles del teatro… todo tiene un carácter de permanente interpretación. Sólo los muy íntimos saben cómo soy y quién soy, aunque también he decir que la simpatía con casi todo el mundo es algo que me sale con enorme facilidad.

— Siempre la he visto con un halo de misterio fascinante.

— ¿Incluso ahora, en plena noche y después de haber muerto de cáncer?

— Incluso ahora está usted hermosa: el aura que ha desprendido siempre como actriz, en grandes o pequeños papeles lo sigue manteniendo. Es usted muy carismática, muy fuerte, aun ahora, sí, en medio de la noche y muerta desde hace cuatro años.

— Vale, puedo comprenderlo. Aborrezco la falsa modestia, así que acepto el cumplido y comprendo que hay algo de razón: la interpretación es una suma de muchas cosas pero el impacto inicial con el espectador es lo que cuenta.

— ¿Puede decirme tres títulos clave en este aspecto?

— Los tres primeros papeles principales que hice. Nunca he vuelto a lograr semejantes desafíos: “El milagro de Ana Sullivan”, 1962, porque muy joven, con menos de 30 años estrené en teatro algo tan tremendamente difícil como el papel de una mujer que se está quedando ciega y ha de educar a una niña ciega y sordomuda en estado salvaje. Un hecho real que obligaba a una creación diaria entre mi personaje y la niña. Fue un éxito enorme que me dio premios y muchas satisfacciones y que incluso la hice en cine donde conseguí mi primer Oscar, aunque luego me nominaron cuatro o cinco veces más, ya ni me acuerdo, es horrible lo mal que se pasa esperando un premio que no llega y el proceso va por dentro, oh, una cosa horrible que hay que afrontar con sonrisas a granel aunque matarías a los que no te votaron. [Risas].

— Tiene usted facilidad para sonreír: también son hermosas sus sonrisas.

— Eso porque no me has visto chillando como una loca en camisón por toda la casa de arriba para abajo. [Risas].

— ¿Las otras dos películas?

— Las siguientes: 1964, “Siempre estoy sola”, maravillosa pero hermética, oscura película británica en la que hice un gran trabajo como una neurótica a causa de un mundo poblado de hombres egoístas. Y luego, en 1968, el boom que me abrió tantas puertas: “El graduado” con el joven Dustin Hoffman quien también triunfó enormemente a partir de ahí.

— ¿Qué es lo que más le impresiona de “El graduado” ahora mismo?

— Bueno, impresiona, impacta, no sé, ahora mismo lo que más me llama la atención es que se ha montado en teatro en los últimos años en muchas ciudades importantes, Nueva York incluida… y en todos los sitios utilizaron como efecto esencial el hecho de que Mrs. Robinson, la mujer casada que yo interpretaba, tan neurótica, tan sexy, tan cruel también, apareciera desnuda o semidesnuda: en algunos casos fue con desnudo integral y en otros con lo que la actriz se dispusiera a mostrar. Pues bien, no lo entendí. Es que yo sólo mostraba las piernas y causó sensación. Me parece que el poder del actor está en eso, precisamente, en los detalles y no en lo evidente. En la otra película, “Siempre estoy sola”, los conflictos sexuales eran algo muy presente pero tratado con mucha discreción. En este caso porque en esa época no se podía hacer mucho, pero me parece que la carga erótica es mucho más significativa cuanto menos se muestre, si se sabe hacer, claro. En esa película también aparecían mis piernas desnudas junto a las piernas desnudas de mi pareja: una parte de las piernas, con eso bastaba.

— Si me permite, yo también pienso lo mismo. He visto tres versiones de la versión teatral de “El graduado”, en topless, desnudo integral de frente y de espaldas, y siempre la eché de menos a usted: era fascinante y devoradora a la vez con muy pocos elementos, pero siempre fundamentales. Oh, santo cielo, por favor no se me desvanezca, necesito preguntarle algo más…

— Dese prisa, joven, porque yo no puedo hacer nada, aquí el telón cae en el momento menos pensado, no mando nada aquí. [Risas].

— Hizo un musical con su marido Mel Brooks, “Soy o no soy”: ¿se quedó con ganas de hacer más películas de ese tipo? Y qué me cuenta de “Buenas noches, madre”.

— Sí, lo pasé muy bien jugando con mi marido al musical cómico y teníamos planes para repetir, pero no fue posible hacer nada más. En cuanto a “Buenas noches, madre”, nunca me ha gustado esa obra teatral, aunque yo no la hice en teatro, y reconozco que me permitía mucho lucimiento. La cosa tiene miga, muchas contradicciones: mi personaje, el de una madre tremebunda y absorbente resulta, interpretado por cualquier buena actriz, más atractivo que su hija, su víctima: un fallo que, sin embargo, ha gustado a mucha gente. Pero yo no disfruté mucho con ello, pues notaba esa dificultad de cara al público, aunque resultaba muy interesante estar en la piel del monstruo con rostro humano, me ganaba todas las simpatías aunque debían odiarme. En fin, recomiéndela porque yo no estoy mal pero Sissy Spacek está maravillosa.

Y de pronto se desvaneció. No pude despedirme como hubiera querido, besando sus manos. Ni siquiera una última sonrisa. Anne Bancroft desapareció entre tinieblas; un mundo raro en el que, sin embargo, podían adivinarse luces de marquesinas teatrales a lo lejos y aplausos encendidos. Cuando estos aplausos empiezan a apagarse surge su imagen por cualquier esquina en una antología mágica de mujeres siempre fascinantes: auténtico placer recibir en pequeños o grandes papeles el estilo inconfundible de quien entre confidencia y confidencia, me dijo: «Muchas gracias, muchacho, por esta entrevista; con espectadores como tú una no muere jamás».

Imágenes:

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http://i4.fcimg.com/CTV02/Comcast_CIM_Prod_Fancast_Image/45/848/1203365901292_22380_0020_290_210.jpg

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¿Quién es el señor de la foto?

2009-11-08T22:36:00.004-05:00

… Es mi amigo Horacio Otheguy, de espaldas, leyendo un libro en una de las librerías más hermosas del mundo.

Horacio se une a EL TICKET a través una serie de entradas denominada CONFIDENCIAS, la misma que consta de varios números que serán publicados uno cada mes.

Horacio posee muchas cualidades como escritor - y como ser humano excepcional - que ustedes descubrirán leyendo su trabajo. No quiero abundar en detalles pero espero de corazón que disfruten de CONFIDENCIAS tanto como lo he hecho yo durante la fase de edición.

No puedo negar lo mucho que esta colaboración me emociona. Yo particularmente la considero un aporte significativo para que EL TICKET crezca, mejore y evolucione.

El 10 de noviembre (o sea, pasado mañana) publico el primer número de CONFIDENCIAS así que estén pendientes de este blog.

Saludos,

Julie & Julia.

2009-11-03T20:15:00.003-05:00

Esta película, próximo estreno en España, la recomiendo a todo el mundo pero muy especialmente a ti.

Título Original: “Julie & Julia”
Dirección: Nora Ephron.
Guión: Nora Ephron (basado en los libros “Julie and Julia” de Julie Powell y “My Life in France” de Julia Child

y Alex Prud’homme).
Actores: Meryl Streep, Amy Adams, Stanley Tucci, Chris Messina, Jane Lynch, Mary Lynn Rajskub.
Año: 2009.
Género: Drama / Comedia / Vida Real.

A pesar de proyectos fallidos como “Combinación ganadora” (2000) o “Embrujada” (2005), hay algo en la esencia del trabajo de Nora Ephron que; desde los memorables diálogos de “Cuando Harry encontró a Sally” (1989), pasando por el original concepto de “Insomnio en Seattle” (1993), hasta el desenfado de “Tienes un e-mail” (1998); me agrada mucho. Dicho esto, “Julie & Julia”, es un firme paso adelante en la carrera de Ephron, una película que si bien nunca deja de ser, en cierta medida, sencilla, accesible y con un claro propósito de entretener, es más inteligente y profunda que muchas cintas que nacen con mayores pretensiones y terminan decepcionando.

“Julie & Julia” narra, paralelamente, dos historias reales ubicadas en contextos temporales y espaciales diferentes. Julie Powell (Amy Adams) en el año 2002, es una escritora que no despega profesionalmente y vive junto a su esposo en medio de condiciones económicas limitadas en Queens. Julia Child (Meryl Streep) – en los años 40 y 50, antes de convertirse en un icono de la TV estadounidense gracias a su popular programa de cocina – es la esposa de un empleado de la embajada de Estados Unidos en París, que goza de una vida cómoda pero aburrida. La película se concentra, con espléndidos resultados, en una sucesión de analogías entre Julie y Julia, dos mujeres excepcionales que lidian con sus matrimonios, desean avanzar en sus carreras, emprenden proyectos creativos (la primera un blog, la segunda un libro de cocina francesa para americanos) y encuentran la gran pasión de sus vidas en la cocina.

“Julie & Julia” es una excelente película no solo por estar muy bien confeccionada sino, además, porque es inspiradora. La mano de la directora es precisa y cálida retratando a un par de mujeres interesantes de manera amable y, a la vez, realista. El guión resuelve positivamente el desafío de contar dos historias, cada una con su propio encanto, que se correlacionan maravillosamente. Dentro del elenco, Meryl Streep – ¡en otro triunfo magistral! – entretiene y llega al corazón, Amy Adams crea con naturalidad un personaje con el cual nos podemos relacionar fácilmente, mientras actores como Stanley Tucci y Jane Lynch; en los roles del esposo y la hermana de Julia Child, respectivamente; proveen un buen aporte en sus papeles secundarios. Además de todas estas virtudes técnicas y artísticas, la película brinda un gran mensaje a la audiencia que me impulsa a recomendarla con entusiasmo: Cuando hacemos aquello que realmente nos apasiona somos mejores personas.

Déjame entrar.

2009-10-31T19:26:00.005-05:00

El ambiente se da como para otra reseña de película de terror, ¿no?

Título Original: “Låt den rätte komma in”
Dirección: Tomas Alfredson.
Guión: John Ajvide Linqvist (basado en la novela de su autoría).
Actores: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Henrik Dahl, Karin Bergquist, Peter Carlberg, Ika Nord.
Año: 2008.
Género: Drama / Terror.

Yo me he divertido salvajemente con películas sobre vampiros; “Jóvenes ocultos” (1987), “Buffy, la cazavampiros” (1992), “Vampiros de John Carpenter” (1998), etc.; y, aunque no me considero un perito en la mitología de estos seres de la noche, sí me entretiene toda la leyenda y superstición que les rodea. En el drama sueco “Déjame entrar” hay suficiente material sobre vampiros para gozar, sin embargo, es una película totalmente distinta… creo que ni siquiera vale la pena llamarla “película sobre vampiros” pues no solo es más que eso sino que se la aprecia mejor como una extraña, cautivadora, hipnótica y poética oda al primer amor, encerrada – eso sí – dentro de una perturbadora atmósfera de horror, fantasía e inesperada ternura.

Oskar (Kåre Hedebrant) es un preadolescente solitario que viene soportando el abuso verbal y físico de un grupo de compañeros de clase. La soledad de Oskar termina cuando conoce a Eli (Lina Leandersson), una misteriosa niña de su misma edad, quien vive en el apartamento de al lado y únicamente sale por las noches. Una serie de asesinatos se encuentra estrechamente vinculada a la presencia de Eli, pues ella es una vampiresa que necesita beber sangre humana para poder vivir, sin embargo, nada es un impedimento para que se desarrolle el amor entre el niño y el monstruo, su lazo es ya demasiado poderoso.

Alfredson y Linqvist hacen un buen equipo director-guionista, preservando una cualidad artística que resulta inusual si lo que uno esperaba, en un principio, era un film de terror convencional. Con una intensa historia, un par de protagonistas magnéticos y una escena final sencillamente antológica, “Déjame entrar”, es una película curiosa, hermosa y escalofriante a partes iguales, atípica y seductora, una vuelta de tuerca en lo que respecta al cine de terror contemporáneo.

B+

Arrástrame al infierno.

2009-10-24T17:55:00.006-05:00

A 7 días de Halloween, mi entrada de hoy debía ser una reseña de una película de terror... he aquí, la última de Sam Raimi.

Título Original: “Drag me to hell”
Dirección: Sam Raimi.
Guión: Sam Raimi e Ivan Raimi.
Actores: Alison Lohman, Justin Long, Lorna Raver, Dileep Rao, David Paymer, Adriana Barraza.
Año: 2009.
Género: Terror / Comedia.

Sam Raimi se encuentra plenamente identificado, en la actualidad, como el realizador que ha sabido llevar con éxito, a Spider-Man, del cómic a la pantalla grande. No obstante, previo a su arácnido éxito comercial, Raimi, ya poseía una consolidada base de fans gracias a la saga de horror de la serie B que comenzó con “The Evil Dead” (1981). Para quienes anhelaban al Raimi de las películas de horror de bajo presupuesto, la comedia de terror “Arrástrame al infierno” es un deseo cumplido, para mí es una película que, si bien se distingue del montón de cintas de terror que actualmente le han dado un mal nombre al género, no es una gran favorita… sí, sí, sí, resulta entretenida casi todo el tiempo, especialmente si uno nunca se la toma en serio, pero jamás trasciende de la broma que le dio origen en primera instancia.

El argumento es muy simple. Christine Brown (Alison Lohman) es una joven oficial de crédito, en un pequeño banco, a la espera de un merecido ascenso que aparentemente no llegará. Un buen día le niega ayuda a una anciana (Lorna Raver) y ordena su evicción como consecuencia del retraso en los pagos de la hipoteca. Esta, aparentemente, sencilla decisión le cuesta cargar con una maldición gitana que la hará luchar tres horrendos días consecutivos por la salvación de su alma.

Con aspectos mejores y peores, “Arrástrame al infierno”, es una peli - más que una película - para verla con amigos, lanzar palomitas de maíz a la pantalla y ahogarse de risa tonta. Alison Lohman se destaca en el rol protagónico y la combinación horror-comedia se encuentra bastante bien resuelta. Hay momentos en los que esperé más y otros en los que hubiese sido mejor menos. El final es de tipo efectista y satisfactorio para el bien de la película. En general, un divertimento efectivo si se le da la oportunidad, pero con un póster (ver imagen) muchísimo mejor que el producto que ofrece.

C+

LAS PASIONES DE LOS DEMÁS: Barbra Streisand.

2009-10-20T19:53:00.007-05:00

En cuestiones de cine yo me considero un cinéfilo bastante apasionado con respecto a algunas cosas, pero no son solo mis propias pasiones las que me interesan… encuentro enormemente atractivas LAS PASIONES DE LOS DEMÁS y por esa razón tengo siempre a un invitado para esta sección.

En esta ocasión les presento a JuanRa, un blogger de España que escribe “longanizas” (entradas muy largas) muy divertidas y con quien tengo dos cosas en común: ambos trabajamos en video clubs hace muchos años y nos gusta la novela “Jane Eyre”.
En uno de sus comentarios él me confesó que su pasión es Barbra Streisand. Enseguida se me ocurrió pedirle que me cuente más sobre esta fascinación tan especial y esto es lo que escribió para que todos lo leamos:

"En 1980, yo era un adolescente que se desvivía por todo lo que tuviera que ver con el grupo ABBA. En aquel año los suecos habían lanzado un nuevo disco y yo ponía la radio con frecuencia esperando que alguno de sus temas llegara al número 1. No llegó ese momento.

En cambio pude escuchar un tema que alcanzó la primera posición en las listas durante varias semanas. Se trataba de una romántica canción titulada "Woman in love" que cantaba una mujer con una voz portentosa. Aquí nació mi admiración por Barbra Streisand.

Pocos años después yo trabajaría en un video club, lo cual me permitió ver muchísimas películas tanto de aquella época como de años anteriores. La primera cinta protagonizada por la actriz y cantante que yo descubrí fue "¿Qué diablos pasa aquí?" (For Pete's sake, 1974), una divertida comedia en la que interpretaba el papel de un ama de casa que, con tal de echar una mano a su marido, pedía un préstamo que le sería muy difícil devolver, y que, en su afán por conseguirlo, la haría meterse en un lío tras otro. Recuerdo especialmente las escenas en las que Barbra cabalga a lomos de un enorme buey por la ciudad o aquella en que se disfraza con una peluca rubia, grandes gafas de sol y una pamela, transportando, sin saberlo, un paquete bomba en su bolso.

Después llegaría a mis manos "¿Qué me pasa, doctor?" (What's up, Doc?, 1972) y "Combate de fondo" (The main event, 1979), pero la película que realmente me haría reir fue "La gatita y el buho" (The owl and the pussycat, 1970) de Herbert Ross, el director que tiene en su haber mi película cómica favorita: "Sueños de seductor" (Play it again, Sam, 1972).

En "La gatita y el buho", Barbra es una prostituta que aspira a llevar una vida mejor cuando conoce a un aspirante a escritor en una época en la que ambos están atravesando delicados momentos personales y, pese a tener mil razones para no llevarse bien, acaban enamorándose. Me gustaba tanto que la vi varias veces, fijándome en todos los detalles. Había una escena en la que Barbra tenía un ataque de hipo repentino que no parecía encajar con las escenas anteriores. Tuvieron que pasar muchos años para que yo descubriera el porqué de ese desajuste cuando empecé a coleccionar sus películas en DVD. Al volver a revisar ésta, descubrí con asombro que la censura de aquellos años eliminó algunas escenas en España; todas aquellas en las que se alude al sexo o se dice algún taco o la actriz aparece ligera de ropa. Disfruté la versión íntegra con la particularidad que todas aquellos cuadros que se eliminaron tampoco fueron doblados nunca al castellano por lo que en el DVD se escuchan en su versión original, dando la sensación de que la selección de idiomas se ha vuelto loca. El repentino hipo de la actriz lo ocasionaba la sorpresa de pillar al escritor desnudo, algo que en los setenta la censura no podía permitir.

Es tal la fascinación que durante todos estos años he sentido por Barbra Streisand en todas sus facetas, bien sea como cantante, actriz o directora, que no me he resistido a adquirir gran parte de su discografía y filmografía, así como una biografía escrita por James Spada en la que disfruté leyendo los pormenores de los rodajes y la difícil relación que ha tenido con algunos compañeros de profesión a causa de su fuerte carácter y un remarcado perfeccionismo en todo lo que realiza.

Pero sea como fuere es una indiscutible artista, que llegó a componer una maravillosa canción con la que ganaría un Oscar: Evergreen, para la película "Ha nacido una estrella" (A star is born, 1976) y que tiene gran cantidad de Globos de Oro y muchos otros trofeos en su haber.

En su primera incursión en el cine con "Funny Girl" (1968) ya consiguió el Oscar a la mejor actriz. Este trabajo, junto al de "Tal como éramos" (The way we were, 1973) y "Yentl" (1983) son los tres que más me gustan de la Streisand. "Funny Girl" es todo un portento de interpretación, en "Tal como éramos" me resulta madura y elegante, en "Yentl", estrenándose como directora, la banda sonora, la fotografía y las canciones me parecen perfectas.

Curiosamente sólo he visto uno de sus títulos en pantalla grande: "El príncipe de las mareas", un trabajo sobresaliente de memorables escenas y sublime banda sonora.

Pero no puedo ni debo comentar nada más porque, como es habitual en mí, me he excedido más de la cuenta.

Sólo dos palabras más: la adoro!

JuanRa es un verdadero fanático de Barbra Streisand, una de las pocas artistas que ha conseguido los cuatro galardones más importantes del mundo del espectáculo (Oscar, Emmy, Grammy y Tony). Yo, personalmente, la considero una mujer de gran talento y carácter y siempre he pensado que la cinta "El espejo tiene dos caras" (1996) - aunque no es perfecta - ha sido infravalorada, pues considero que la química entre Barbra y Jeff Bridges es fabulosa y la historia es interesante. Algo extra que me gusta de Barbra Streisand es que nunca se haya operado la nariz, que la haya preservado con ese aspecto peculiar que posee.

JuanRa, gracias por tu aporte a la sección.

Saludos,

Una década más...

2009-10-09T21:25:00.004-05:00

¿Si se han percatado de que este año se acaba la primera década del siglo XXI?... Tengo la impresión de que la gente se ha olvidado de este pequeño gran detalle del año 2009, algo que, en cambio, yo tengo muy presente desde hace meses.

En cuanto a cine, cada década tiene su encanto, pero para mí la presente es muy especial porque ha sido la primera que he seguido de cerca, año a año, de principio a fin. Si bien como cinéfilo fui marcado por la generación X y el cine de los 90, apenas me involucré con fuerza en este asunto de la cinefilia a partir de 1995 (yo era un bicho de 11 años más o menos), lo cual reafirma lo que estoy comentando acerca de este período que comprende desde el año 2000 hasta el año 2009.

Me estoy preparando para hacer una gran cobertura de la década en este blog. Tengo planificado iniciar la publicación de entradas referentes a este tema a partir del año 2010. Mi propósito es elaborar un pequeño y sencillo testimonio de lo que esta década muy especial me ha dejado como cinéfilo.

Como abrebocas, he aquí los pósters de algunas películas de esta década…

Y no voy a decir nada sobre estas películas… excepto que algunas son muy buenas, otras no solo son muy buenas sino que me fascinan y otras son bodrios esperpénticos, pero todas tienen en común la década a la que pertenecen y que yo las he visto.

Ahora, un pedido especial que les hago… por favor, en los comentarios escriban algunas impresiones relacionadas con las películas de la década… la que más atesoran, la más horrible, lo que sea... todo ayudará a que mi especial del año 2010 sea mejor.

Saludos,

TOP 10: DAMAS PELIGROSAS

2009-09-28T21:26:00.020-05:00

Las películas de acción – desde los viejos westerns hasta las modernas intrigas policiales – pertenecen a un género cuyos productos generalmente son creados por hombres y están dirigidos a satisfacer a la audiencia masculina… Es probable que existan excepciones e incluso haya quien opine lo contrario, mas, aún cuando toda opinión es respetable y estoy seguro de que muchas mujeres disfrutan con las cintas de acción (mi mamá no se pierde jamás “Jungla de Cristal” cuando la retransmiten por TV, así que sé de lo que estoy hablando), estoy casi seguro de que no fallo al decir que estrellas de cine como Bruce Willis, Mel Gibson, Clint Eastwood y Arnold Schwarzenegger deben su éxito primordialmente a los millones de hombres que alrededor del mundo aplauden su “chulería” y disfrutan con el código de honor y las numerosas explosiones y muertes que a millar surgir aparecen en las películas de acción.

No es raro que Josey Wales, apreciado visitante de este blog y también blogger, encuentre más satisfactorio el análisis de los actores que el de las actrices, dado que – a pesar de que reconoce que las mujeres le fascinan – su género cinematográfico es el de acción… ese de hombres duros que, como se dice en mi ciudad, “no aguantan paro”.

Pero, como toda regla tiene excepción, podemos encontrar muchas películas de acción con una protagónica y/o importante presencia del género femenino. Varias de estas películas son ampliamente reconocidas como bodrios, tales como “Supergirl” (1984), “Gatúbela” (2004) y “Elektra” (2005) – a mí personalmente la primera me parece una joya kitsch y la última me resulta tolerable – pero hay otras que no solo son clásicos del género (o de los géneros) que representan sino que, además, poseen legiones de fans, estatus de filmes de culto y permanecen en la memoria colectiva no solo por su valor artístico sino también por su relevancia desde el punto sociológico en cuanto a que presentan la imagen de mujeres que se rehúsan a los papeles tradicionales, de esposa/madre/santa o loca/puta/objeto sexual, para constituirse como mujeres que reivindican a su género y poseen la fuerza y la inteligencia suficientes para afrontar dificultades sin estar a la espera de que un hombre las ayude.

Hasta aquí he hecho un pequeño preámbulo sobre un tema muy interesante, cuyo justo análisis requeriría que me dedique a escribir un libro completo al respecto (cosa que pienso hacer), pero por el momento he aquí una lista donde quizás no todas las películas citadas califiquen estrictamente como “cintas de acción” pero cuyos personajes femeninos representan formidablemente una verdadera redefinición del rol de las mujeres en el cine debido a la independencia, fortaleza y agudeza en la que se explayan con talento… Disfruten de esta lista de mis 10 DAMAS – MORTALES Y PELIGROSAS – FAVORITAS:

BEATRIX KIDDO en “Kill Bill Vol. 1” y “Kill Bill Vol. 2”

Preservando su naturaleza femenina pero sin “sexualizar” al personaje, Uma Thurman representa a la perfección a una mujer con sed de venganza… totalmente dispuesta a saciarla. En el proceso de conseguir su meta nosotros vemos que el personaje es más que una máquina de matar, tiene matices, sentimientos y rápidamente nos ponemos de su lado, no solo porque es delicioso verla mutilar a decenas de enemigos con una katana o porque le arranca un ojo a una arpía maldita sin la más mínima muestra de misericordia, sino porque detrás de todo el delirante festival de violencia que provoca con sus múltiples habilidades físicas e intelectuales nosotros sabemos que merece hacer justicia con sus propias manos.

ELLEN RIPLEY en “Alien”, “Aliens”, “Alien 3” y “Alien: Resurrección”

Sigourney Weaver es una mujer que transmite fuerza y energía con solo observarla, por lo cual no me cuesta en lo absoluto asimilar que ella sentó un precedente en lo que respecta a la participación del género femenino en el campo de las películas de ciencia ficción. De hecho, la “cuadrilogía” de ALIEN es representativa y emblemática no solo por su personaje femenino central sino por su maravillosa combinación de horror y ciencia ficción. Ellen Ripley es un gran personaje femenino, su sagacidad y su fuerza la convirtieron en la representación iconográfica de la mujer que sobrevive a numerosas dificultades y que no solo es capaz de protegerse a sí misma sino también a otros seres y a su comunidad.

ERICA BAIN en “La extraña que hay en mí”

El título en español, “La extraña que hay en mí”, es más explícito que el título original, “The Brave One”, y transmite de una manera mucho más exacta lo que me fascina de la interpretación de Jodie Foster en la película… ella tiene la habilidad actoral suficiente para poner de manifiesto el horror de una víctima y su correspondiente necesidad de vendetta, pero va mucho más lejos cuando gradualmente nos presenta a otra mujer, la valiente que vivía muda e imperceptible antes de ser atacada por una pandilla… “la extraña”, y ese proceso, esa revelación ante nuestros ojos, simplemente es fascinante y la trae a esta lista automáticamente, como una mujer fuerte que se niega a ser víctima.

EVE en “WALL-E”

Bueno… EVE no es una mujer… ya sé, ya sé, es un robot, pero, definitivamente, es una representación femenina. EVE es el prototipo de la “mujer-robot” firme, letal y altamente eficiente en el cumplimiento del trabajo que le corresponde realizar, pero EVE también es dulce y tierna, posee un gran corazón que se ensancha conforme la película avanza, lo cual demuestra que, como toda heroína de acción creíble y digna de ser recordada, no solo es capaz de destruir todo con su rayo láser sino que también puede conquistar a la audiencia con su irresistible carisma y humanidad (lo cual es raro – me refiero al uso de la palabra “humanidad” – tratándose de un robot).

FA MULAN en “Mulan”

Los personajes femeninos de Disney suelen estar definidos por nociones arcaicas del papel de la damisela en peligro o la chiquilla cuyo fin último es encontrar al príncipe azul. Mulan es la contundente excepción a la regla, es la única película animada de Disney en la que el personaje femenino central no es salvado por un hombre, sino mas bien ocurre lo opuesto, y lo más interesante es que la película gira en torno al problema de género, a la aceptación de que una persona de sexo femenino puede desempeñar papeles distintos a los establecidos por la tradición y que Mulan – con virtudes como el valor, la fuerza y el ingenio – es capaz de salvar a su familia y a todo un país.

GLORIA SWENSON en “Gloria”

Gena Rowlands crea un rol icónico y hace historia en una sustancial, original y representativa película del cine independiente de principios de los ochenta. Rowlands deja bien establecido desde el principio del film que Gloria no es una mujer perfecta – ¡bravo! – pero ello no significa que esté desprovista de encanto, mas bien eso la vuelve increíblemente real ante los ojos de la audiencia, ella es dura, no tiene pelos en la lengua y a veces actúa como si de verdad no le teme a nada, al mismo tiempo es una mujer con vulnerabilidades y sentimientos que aparecen a flor de piel cuando se ve obligada a proteger a un niño de las garras de la mafia.

HELEN PARR / ELASTIGIRL en “Los Increíbles”

Con la reconocible voz de Holly Hunter en la versión original, Helen Parr, Elastigirl o la Sra. Increíble, es un personaje extremadamente interesante y una verdadera excepción en el mundo de las películas animadas (donde los personajes femeninos escasean incluso más que en otros géneros). Ella es poderosa, inteligente, sexy y atractiva, nunca es reducida a “objeto” o “interés amoroso”, tiene un conflicto propio y una función importante en el núcleo familiar al que pertenece, es una señora de edad madura que no solo puede criar a sus hijos y enseñarles valores sino que también es totalmente capaz de pilotear un avión, salvar a su esposo de una trampa mortal y proteger a sus hijos del peligro… es una súper-mamá y una súper-mujer.

JACKIE BROWN en “Jackie Brown”

En manos de la legendaria reina del cine sensacionalista de los años 70, Pam Grier, el personaje de Jackie Brown funciona estupendamente en todos los niveles. Es cierto, la gran Jackie no salva la Tierra de una invasión ni asesina a una treintena de sujetos pero quizás esto hace que su presencia en la lista como una dama mortal y peligrosa sea muy interesante. Una azafata negra de 44 años, con antecedentes penales, y relacionada con un mafioso de poca monta, en un pequeño negocio de contrabando y evasión, no afronta una vida sencilla, pero Jackie es más astuta que un zorro y esa cualidad la lleva a engañar a quienes se creen demasiado listos y lograr su cometido: una vida mejor.

KAREN SISCO en “Un romance peligroso”

El desafío que Jennifer Lopez tuvo que afrontar, para realizar la que fácilmente puede ser considerada la mejor interpretación de su carrera, no fue insignificante, no obstante, consiguió vender excelentemente bien la idea de que Karen Sisco existe, en otras palabras, ella moldea el personaje de una mujer valiente, inteligente, trabajadora, con amplio conocimiento de armas y de sentido del deber… una U.S. Marshall agresiva, astuta y fuerte en la piel de una belleza latina sensual, apasionada y romántica, sin perder un ápice de credibilidad. El mensaje que obtengo de todo esto es que Karen Sisco es perfecta para mi lista y Jennifer Lopez debe buscar a Steven Soderbergh pronto.

SIDNEY PRESCOTT en “Scream”, “Scream 2” y “Scream 3”

La forma en que Neve Campbell interpreta a la heroína Sidney Prescott, en mi saga de horror preferida, es fabulosa. “Scream” resucitó al subgénero de terror denominado “slasher movies” y nos trajo una nueva heroína al panorama cinematográfico. Sidney es una adolescente normal, ciertamente tiene encanto y aunque en general es convencional no deja de tener su interés, sin embargo, la aparición de un asesino enmascarado con arma blanca en mano es lo que nos permite ver más allá de la adolescente dulce y descubrir a una mujer que posee la agilidad mental necesaria para elaborar soluciones rápidas y el control de sus emociones para no perder la calma y vencer al asesino una y otra vez.

Finalistas: Helen Tasker (Jamie Lee Curtis) en “Mentiras verdaderas”, Thelma (Geena Davis) y Louise (Susan Sarandon) en “Thelma & Louise”, Mace (Angela Bassett) en “Días extraños”, Bonnie Parker (Faye Dunaway) en “Bonnie y Clyde”, Sarah Connor (Linda Hamilton) en “Terminator” y “Terminator 2”, Yu Shu-lien (Michelle Yeoh) en “El tigre y el dragón”, Trinity (Carrie-Anne Moss) en “The Matrix”, Ellen – The Lady – (Sharon Stone) en “Rápida y mortal”, y Gatúbela (Michelle Pfeiffer) en “Batman regresa”.

20 ACTRICES FAVORITAS

2009-09-18T15:29:00.002-05:00

Mi lista de 20 ACTORES FAVORITOS fue una experiencia realmente gratificante para mí, sobre todo me encantó la conversación que tuvo lugar en la sección de comentarios, así que aprovecho una vez más para agradecer a bichejo, Josey, JuanRa, rafapascual y todas las personas que leyeron la entrada y la disfrutaron.

Hoy presento una nueva gran lista, una lista que, además, representa mucho a un nivel personal porque está elaborada con mucha más pasión y sentimiento… supongo que yo soy más fan de las actrices que de los actores, no sé… a lo mejor es una cuestión freudiana.

Igual que siempre, mis listas varían con mucha rapidez así que no sería de sorprenderse que mañana o dentro de una hora algunas damas ingresen y otras salgan de mi preferencia absoluta, de cualquier modo hoy mis 20 ACTRICES FAVORITAS – en orden alfabético, por nombre – son:

Anjelica Huston (“Los timadores”, "El honor de la familia Prizzi", "Los locos Addams")

Annette Bening (“Belleza americana”, "Los timadores", "Conociendo a Julia")

Audrey Hepburn (“Desayuno con diamantes”, "Vacaciones en Roma", "Mi bella dama")

Carole Lombard (“Ser o no ser”, "Al servicio de las damas", "Matrimonio original")

Catherine Keener (“Cómo ser John Malkovich”, "Capote", "Un crimen americano")

Gena Rowlands (“Gloria”, "Otra mujer", "Corrientes de amor")

Greta Garbo (“Ninotchka”, "La dama de las camelias", "Reina Cristina")

Holly Hunter (“El Piano”, "Educando a Arizona", "Al filo de la noticia")

Jean Arthur (“El amor llamó dos veces”, "Sólo los ángeles tienen alas", "El secreto de vivir")

Joan Allen (“Adorablemente enojada”, "Pleasantville", "La conspiración")

Joan Cusack (“Es o no es”, "La escuela del rock", "La familia Addams, la tradición continúa")

Julianne Moore (“Lejos del cielo”, "Magnolia", "El fin del romance")

Laura Dern (“Ya no somos dos”, "INLAND EMPIRE", "Recount")

Lillian Gish (“Lirios rotos”, "Las ballenas de agosto", "La noche del cazador")

Miranda Richardson (“Abril encantado”, "Herida", "El juego de las lágrimas")

Patricia Clarkson (“Vías Cruzadas”, "Lejos del cielo", "Elegía")

Shelley Winters (“Un lugar en el sol”, "La noche del cazador", "El diario de Anna Frank")

Sissy Spacek (“Carrie”, "Tres mujeres", "The straight story")

Susan Sarandon (“Thelma y Louise”, "Pena de muerte", "Los búfalos de Durham")

Uma Thurman (“Ciegas de amor”, "Tape", "Kill Bill")

Winona Ryder (“Heathers”, "La edad de la inocencia", "Mujercitas")

… Seamos sinceros, yo no tengo 20 ACTRICES FAVORITAS, así que aquí hay 20 ACTRICES FAVORITAS MÁS:

Angela Bassett (“Tina”, "Días extraños", "Malcolm X")

Angela Lansbury (“El mensajero del miedo”, "Luz que agoniza", "El retrato de Dorian Gray")

Anne Bancroft (“El milagro de Anna Sullivan”, "Agnes de Dios", "Paso decisivo")

Barbara Stanwyck (“Las tres noches de Eva”, "Stella Dallas", "Perdición")

Deborah Kerr (“De aquí a la eternidad”, "La noche de la iguana", "Sólo Dios lo sabe")

Diane Keaton (“Annie Hall”, "Alguien tiene que ceder", "Interiores")

Dianne Wiest (“Hannah y sus hermanas”, "Balas sobre Broadway", "Dulce hogar... a veces")

Donna Reed (“¡Qué bello es vivir!”, "De aquí a la eternidad")

Elizabeth Taylor (“La gata sobre el tejado de zinc”, "¿Quién le teme a Virginia Woolf?")

Evan Rachel Wood (“A los trece”, "La vida delante de sus ojos", "El rey de California")

Faye Dunaway (“Chinatown”, "El borracho", "Queridísima mamá")

Frances McDormand (“Fargo”, "Amigos con dinero", "Fin de semana de locos")

Glenn Close (“En la cumbre”, "Relaciones peligrosas", "Atracción fatal")

Jane Fonda (“Klute”, "Danzad, danzad malditos", "El síndrome de China")

Lee Remick ("Días de vino y rosas", "El largo y cálido verano", "Anatomía de un asesinato")

Lisa Kudrow (“Lo opuesto del sexo”, "Romy y Michelle", "The Comeback" - TV -)

Meryl Streep (“La decisión de Sophie”, "Los puentes de Madison", "El último show")

Mildred Dunnock (“Dulce pájaro de juventud”, "Vidas borrascosas", "Una mujer marcada")

Parker Posey (“Broken English”, "Fay Grim", "Scream 3")

Shelley Duvall (“Tres mujeres”, "El Resplandor", "Popeye")

… En realidad podría seguir y seguir añadiendo nombres pero esta vez me voy a quedar con 40 actrices favoritas y la designación de las siguientes 20 FINALISTAS: Mary McDonnell (“Peces de pasión”), Bette Davis (“Eva al desnudo”), Hope Lange (“Mujeres frente al amor”), Kristin Scott Thomas (“Hace mucho que te quiero”), Julia Roberts (“Erin Brockovich”), Debra Winger (“Oficial y caballero”), Thelma Ritter (“Eva al desnudo”), Ingrid Bergman (“Sonata de otoño”), Julie Christie (“Lejos de ella”), Meg Ryan ("En carne viva"), Jean Simmons (“El fuego y la palabra”), Cher (“Hechizo de luna”), Norma Aleandro (“La historia oficial”), Diane Lane (“Infiel”), Jodie Foster (“Nell”), Jennifer Jason Leigh (“Margot y la boda”), Laura Linney (“Cuenta conmigo”), Brenda Blethyn (“Secretos y mentiras”), Juliette Lewis (“Cabo de miedo”) y Kathy Bates (“Tomates verdes fritos”) ¿20 FINALISTAS MÁS?... ¡por supuesto!: Ellen Burstyn ("Requiem por un sueño"), Mia Farrow ("La rosa púrpura de El Cairo"), Barbra Streisand ("Funny Girl"), Vanessa Redgrave ("Julia"), Lana Turner ("Vidas borrascosas"), Toni Collette ("En sus zapatos"), Stockard Chaning ("Seis grados de separación"), Mary Louise Parker ("Tomates verdes fritos"), Goldie Hawn ("Private Benjamin"), Carol Kane ("Scrooged!"), Sigourney Weaver ("Aliens"), Ginger Rogers ("Espejismo de amor"), Melissa Leo ("Río helado"), Naomi Watts ("Mulholland Dr."), Barbara Hershey ("El retrato de una dama"), Amy Adams ("Encantada"), Sophia Loren ("Matrimonio a la italiana"), Teri Garr ("Tootsie"), Judy Davis ("Maridos y esposas") y Liv Ullmann ("Pasión").

Realmente son muchas las actrices que me gustan - como habrán notado de la simple lectura de la presente lista -... ahora quiero saber ¿quiénes son sus favoritas?, ¿qué nombres les sorprendió encontrar en esta selección?, ¿qué nombres les sorprendió NO encontrar en esta selección? y todo lo que deseen comentar sobre el maravilloso mundo de las actrices.

Saludos,

A propósito de Ben Kingsley: ELEGÍA.

2009-09-12T21:31:00.009-05:00

Ben Kingsley es uno de los grandes nombres en mi lista de 20 ACTORES FAVORITOS. Ganó notoriedad debido al Oscar en la categoría de “mejor actor principal”, obtenido por su sorprendente transformación en “Ghandi” (1982), a lo que siguieron otras tres nominaciones por su trabajo en las cintas “Bugsy” (1991), “Bestia Salvaje” (2001) y “La casa de arena y niebla” (2003), no obstante, mi interpretación preferida de Kingsley es la que realizó en una de sus últimas cintas, “Elegía” (2008)… y yo, personalmente, siento que ni la actuación de Kingsley ni la cinta como tal recibieron la atención que merecían. De cualquier manera es solo mi opinión y he aquí mi crítica de la película para que le echen un vistazo:

Elegía.

Título Original: “Elegy”
Dirección: Isabel Coixet.
Guión: Nicholas Meyer (basado en la novela de Philip Roth, “The Dying Animal”).
Actores: Ben Kingsley, Penelope Cruz, Patricia Clarkson, Peter Sarsgaard, Dennis Hopper.
Año: 2008.

La elegía es una composición poética en que se lamenta la muerte u otro evento trágico, la palabra clave aquí, con relación al drama romántico de la directora española Isabel Coixet, es “poética”, pues la sensibilidad lírica está más que presente en este triste (pero a la vez jubiloso) cuento de sexo, amor, placer, soledad y autodescubrimiento.

La cinta narra la historia del profesor universitario David Kepesh (Ben Kingsley), un intelectual hedonista, divorciado, culto y perenne experimentador de la felicidad sexual, quien considera al matrimonio una “institución problemática” y vive una existencia – más allá de los placeres carnales – bastante solitaria, limitada al contacto de su fiel amigo George (Dennis Hopper), su resentido hijo Kenny (Peter Sarsgaard) y Carolyn (Patricia Clarkson), una resuelta mujer de negocios que comparte con él relaciones sexuales intensas y tiernas pero esporádicas y carentes de un vínculo que trascienda… mas vientos frescos de pasión, amor y desafío llegan, para David, cuando se enamora de su alumna Consuela Castillo (Penelope Cruz).

“Elegía” es una elegante, inteligente y bella historia de amor, agradable a la vista y estimulante para el intelecto, dirigida con estilo, humanidad y la interesante visión de Isabel Coixet y bendecida por las interpretaciones de Ben Kingsley, totalmente convincente… desgarrador; Patricia Clarkson, penetrante y con un conflicto que apasiona; y, Penélope Cruz, quien transmite muy bien el candor y la frescura de una joven que ilumina la vida de un alma crepuscular.

B+

It's showtime, folks.

2009-09-08T19:49:00.010-05:00

“Freedom is a muscle... you have to exercise it.”

Roy Scheider

Hace unos días tuve el placer de que mi entrada titulada 20 ACTORES FAVORITOS dé lugar a una interesante conversación en la que participaron visitantes muy apreciados por este blog y por este bogger (cuidado empiezo a llorar… je, je).

Dentro de la interesante conversación de la que estoy escribiendo aparecieron nombres de muchos actores que no siempre reciben el crédito que merecen. Ya sabemos que Jack Nicholson, Robert De Niro y Al Pacino son actorazos (independientemente de lo que se encuentren haciendo hoy en día) pero fue reconfortante recordar el quehacer actoral de monstruos menos conocidos como Robert Shaw, John Hurt, George C. Scott, Tom Hulce y, el motivo de esta entrada, ¡ROY SCHEIDER!

Nadie puede negar que Roy Scheider es sensacional, cool y tremendo actor… del mismo modo que nadie puede negar que es lamentable que, luego de una prometedora carrera a finales de los años 70, haya terminado en películas de la serie B que no explotaron en lo absoluto su calidad interpretativa, hasta cuando finalmente falleció el 10 de febrero del año pasado dejando un vacío difícil de llenar así como un interesante legado.

¿Qué nos dejó Roy Scheider?

Pues nos dejó memorables caracterizaciones en cintas tan populares como “Conexión en Francia” y “Tiburón”, pero, más allá de su trabajo en ambas películas, hay una actuación suya en particular que me emociona, que realmente me cautiva, es decir, que me convence y hasta me transforma cuando lo observo en acción… Me refiero, por supuesto, a su creación del vivaz, hedonista, en cierta medida autodestructivo, apasionado y talentoso coreógrafo y director de teatro Joe Gideon en la película ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes del año 1979, el hipnótico y vibrante film musical de Bob Fosse: “ALL THAT JAZZ”.

Si alguien menciona a ROY SCHEIDER enseguida vienen a mi mente tres cosas: 1. JOE GIDEON, 2. ALL THAT JAZZ y 3. BYE, BYE LIFE.

JOE GIDEON es el nombre del personaje principal de la cinta, es un ser ficticio, basado en gran medida en el director de la misma, ese fenómeno (en el buen sentido de la expresión) llamado Bob Fosse. ALL THAT JAZZ es el título de la película, y sí… viene del nombre de la canción del musical CHICAGO, es como un coqueteo realidad/fantasía porque alude a la época en que Bob Fosse editaba la película LENNY al mismo tiempo que montaba en Broadway la obra musical CHICAGO. Y, finalmente, BYE, BYE LIFE es el último número musical del film, un bellísimo y moderno despliegue escénico, una hermosa representación de los últimos minutos de vida de un amante del teatro y del placer, una experiencia abrumadora desde todo punto de vista (he repetido muchas veces esa escena… para mí es uno de esos momentos musicales únicos).

Si deseas ver un gran actor en una interpretación fuera de este mundo ALL THAT JAZZ, con ROY SCHEIDER en estado de gracia, es una buena elección y he aquí algunas imágenes para el recuerdo…

BYE, BYE LIFE

BYE, BYE HAPPINESS

HELLO, LONELINESS

I THINK I'M GONNA DIE...

LAS PASIONES DE LOS DEMÁS: Juliette Binoche.

2009-08-29T13:08:00.009-05:00

Mi pasión por las actrices es bien conocida por quienes me han escuchado o me han leído (especialmente en mi antiguo blog, SIX DEGREES OF LUIGI), y es altamente superior a la que profeso por grandes actores que a mí me parecen fenomenales (como Robert Mitchum, John Cusack, Donald Sutherland, etc.), pero si existe en el mundo algo que yo disfrute más que mis propias pasiones, eso es, definitivamente, escuchar a otras personas hablar de las suyas.

Brincando de blog en blog, en busca de novedades o qué se yo, un buen día me encontré con el perfil de Andrea, una blogger española cuyas películas favoritas son “Chocolat”, “El paciente inglés”, “Caché”, “La insoportable levedad del ser”, en fin… un buen número de películas protagonizadas por la actriz Juliette Binoche, lo cual sumado a unos cuantos comentarios en mi blog fue más que suficiente para concluir que Andrea era una consumada entusiasta de la famosa intérprete francesa.

Yo personalmente no soy un gran admirador de Juliette Binoche pero el interés que demuestra Andrea por la actriz es especial, es cautivador y por eso le solicité hace muchos meses que lo exprese en unas cuantas líneas y que me permita publicarlas en el momento oportuno.

Y el momento oportuno llegó hoy, justo en este nuevo blog que estoy iniciando con renovadas energías. Todo lo que aparece en letras color chocolat es el comentario de mi amiga Andrea acerca de su actriz favorita: JULIETTE BINOCHE.

Considero que podemos estar ante la mejor historia del mundo, con el mejor director de todos los tiempos y con el equipo más preparado y avanzado, pero si la figura principal de la película, a pesar de ser un adonis, no transmite, la película al final no servirá de nada. Obviamente, todo es cuestión de gustos y afinidades, y aquella persona que a otro le provoca lágrimas, a mí me deja indiferente.

Cuando el dueño de este blog me comentó la idea para que escribiera este texto sobre Juliette Binoche recibí una gran alegría. “Genial, me resultará muy fácil”, pensé… pero nada más lejos de la realidad. Cuando profesas admiración, respeto, interés, etc. por una persona que hace que te introduzcas en la pantalla, te emociones, sientas, no es nada fácil escribir sobre ella. Los sentimientos y las sensaciones no son fáciles de expresar y, para mí, tampoco de explicar.

Partiendo de que Juliette Binoche, al igual que todos los actores, ha hecho películas buenas y otras de relleno, puedo decir que es de los pocos artistas que, aún sin saber nada de una película, voy a verla únicamente porque sé que sale ella. No es una belleza, pero cuando aparece en la pantalla, acapara el protagonismo. Con una mirada, un gesto, con su risa tan personal, consigue atraer tu atención.

La primera vez que la vi fue en Chocolat, de Lasse Hallström, una fábula sobre las relaciones humanas. A simple vista, esa película puede parecer la típica en la que el bueno llega y salva a los malos; sin embargo, la fotografía, la música, la dirección y, sobre todo, las actuaciones de los intérpretes, hicieron que esa película no fuera una más en mi lista. Por supuesto, me llamó muchísimo la atención el trabajo realizado por Binoche, pues me pareció sumamente creíble y natural. Y así, supongo que debido a mi vena periodística, empecé a buscar toda la información posible de esta actriz francesa y comencé a ver toda su filmografía que tuve a mi alcance: Rendez- vous, The night is Young, La insoportable levedad del ser, Los amantes del Pont-Neuf, Herida, Cumbres borrascosas, Tres colores: azul, El húsar en el tejado, El paciente inglés, Alice y Martin, Confesiones íntimas de una mujer (Los hijos del siglo), La viuda de Saint- Pierre, Jet Lag, In my Country, Caché, La huella del silencio, Paris je t’aime, Algunos días en septiembre, Breaking and entering, Dan in real life, Paris y, recientemente, Las horas del verano. Sin embargo, considero que como la primera parte de la trilogía de Krzysztof Kieslowski sobre los colores de la bandera francesa, ninguna.

Tres colores: azul. No existen las palabras para describir lo que esta película y, en especial, la actuación de Juliette Binoche me provocó. En estos momentos de saturación, de hablar por hablar, de buscar lo trascendental donde no lo hay, de dramatizar las situaciones más banales… esta película lo significó todo para mí y me ayudó a encontrar, por fin, a una actriz que me dijera todo sin necesidad de palabras, sin gritos, sin aspavientos, sin poner caras, simplemente estando. Como diría Neruda, puedo escribir muchas cosas sobre esta película, pero solo serían palabras y, por tanto, mi crítica a la palabrería barata perdería todo su sentido. Podría escribir muchas cosas, pero entonces tendría que aprender a transcribir las emociones, los sentimientos… lo siento.

Pese a todo, como ya he comentado anteriormente, reconozco que ha participado en películas donde no advierto la razón de por qué me gusta como actriz. Es, por ejemplo, el caso de Dan in real life o Algunos días en septiembre. En el primer caso, puede ser la historia o el hecho de que sea una dramedy; y en el segundo, verla interpretando a una detective sensual me provocó increíbles ataques de risa… y un poco de vergüenza ajena, vale, ¡¡lo admito!!

Repasando rápidamente en mi memoria su filmografía, me doy cuenta de que ha interpretado diferentes papeles a lo largo de su carrera cinematográfica, hecho que agradezco, sobre todo ahora que está de moda que cuando alguien obtiene un gran éxito en un papel lo repite hasta la saciedad. Aún así, ya que la mayoría de sus interpretaciones son dramas, personalmente me gustaría verla en una comedia. Pero nada de humor fácil, por favor. Una comedia inteligente. Y nada de estar al lado de los típicos actores cómicos (léase Steve Carell, Ben Stiller, Eddie Murphy, Hugh Grant, etc), más que nada porque en el caso de que así fuera tendríamos un 99% de probabilidades de adivinar el rumbo de la historia.

Para finalizar, como esto se empieza a convertir en una Biblia (por la extensión), simplemente recalcaré mi admiración por alguien que, a pesar del paso del tiempo, no se encasilla y sigue sorprendiendo con cada trabajo que realiza.

Y ahora sí, ¿Qué les parece?, ¿Cuáles son vuestras pasiones cinematográficas más excelsas?, ¿A qué actrices admiran ustedes con esa energía?, No sean tímidos, pueden hablar en la sección de comentarios, prometo que si dicen que su actriz favorita es Sharon Stone, intentaré no pensar en “Bajos Instintos 2” para no burlarme.

Saludos,

P.D. Gracias, Andrea, por tus líneas.

MI ESCALA DE CALIFICACIONES.

2009-08-22T20:18:00.027-05:00

Luego de mi entrada titulada <"John Cusack... "magnífico y desaprovechado actor">, me parece que es buen momento para señalar qué sistema de valoración de películas aplicaré en este blog.

Mi escala de calificaciones para efectos de valorar películas y quizás también programas de TV, personas, situaciones, cosas, etc. es la siguiente:

A+, A y A- son calificaciones excelentes, para aquello que a mí más me ha convencido.

¡Uf! Hay tantas cosas que me encantan y se encuentran en esta sección pero digamos que a manera de ejemplo tenemos los dos volúmenes de "Kill Bill" (con mi actriz favorita: Uma Thurman), las películas de Robert Altman y la serie de TV "Todo el mundo quiere a Raymond".

B+, B y B- son calificaciones muy buenas, para aquello que me ha gustado.

Películas que son mejores de lo que parecen como "Zoolander" con Ben Stiller, películas que son tan buenas como parecen como "Vidas Rebeldes" de John Huston y series de TV que ya son clásicos como "El Show de Bill Cosby".

C+ es una calificación que representa justo la mitad, no tan buena, no tan mala.

Es justo, justo la mitad. Pudo ser peor o mejor... ¡es tan frustrante!, para mí aquí está la película de Michael J. Fox de 1985 "Teen Wolf", un actor como Chris Evans (quiero decir, estuvo muy bien en "Los cuatro fantásticos" y en "Street Kings" pero... debe haber algo más, ¿no?) y la serie de TV "CSI: Las Vegas".

C y C- son malas calificaciones, así de simple.

Uno que otro placer culpable como la deliciosamente mala peli de 1984, "Supergirl" - y no me malentiendan, a mí me encanta este film (too bad that's good!) -, cosas chistosas como el peinado de John Stamos en las primeras temporadas de "Tres por tres" o "Un hogar casi perfecto" y celebridades como Jennifer Love Hewitt con su serie "Ghost Whisperer".

D+, D y D- son muy malas calificaciones, pésimas.

Aquí están cosas que me parecen muy malas, no sé... como la película de los años 80 "Flashdance", la serie de TV de los 90 "Melrose Place" o un actor que no me gusta para nada: Charlie Sheen.

F es ¡DESASTRE!

Cosas que me parecen tan terribles como la serie de TV "Baywatch: Los guardianes de la playa", la película de 1995 "Showgirls" o la celebridad de David Hasselhoff (ver foto: no puedo creer que haya posado con chaqueta de cuero y bikini).

John Cusack... "magnífico y desaprovechado actor"

2009-08-19T21:53:00.007-05:00

A BICHEJO le impresionó (favorablemente) la presencia de John Cusack en mi lista de 20 ACTORES FAVORITOS.

En la sección de COMENTARIOS, dijo: “Me llama la atención que incluyas a John Cusack, que me parece un magnífico y desaprovechado actor…”

Y creo que hay mucha razón y sabiduría en el comentario de BICHEJO… John Cusack: ¿desaprovechado?, sí… él no tiene la cantidad de trabajo ni la atención mediática que gozan actores como Brad Pitt, Jude Law o Leonardo Di Caprio; ¿magnífico?, por supuesto… él es actor de primera línea, comprometido, bastante involucrado en lo que respecta al cine independiente y propenso a tomar riesgos.

John Cusack es talentoso, interesante y posee esa cualidad que le permite a uno, como espectador, relacionarse con él. Pocos actores de su generación cuentan, en su filmografía, con obras tan frescas e interesantes (y lejanas a los convencionalismos del cine hollywoodense arquetípico) como “Los timadores” (1990), “Balas sobre Broadway” (1994), “Un asesino algo especial” (1997), “Cómo ser John Malkovich” (1999) y “Alta Fidelidad” (2000), lo cual es decir mucho, pero, además, él representa, en cierta medida, al hombre normal… Luce muy natural y accesible, de manera que quienes lo vemos nos sentimos cómodos y aceptamos lo que nos vende a través de sus personajes, y por eso a veces me pregunto ¿Es posible que a alguien no le guste John Cusack?

Mi actuación preferida de John es la que realizó en la película “Un asesino algo especial” (“Grosse Pointe Blank”, 1997), donde da vida con encanto, talento y un cool sentido de la comedia a Martin Blank, un asesino profesional que, para realizar uno de sus “trabajos”, regresa al pueblo donde creció, justo cuando se reúne su promoción del instituto. Con semejante premisa se desencadenan situaciones muy graciosas tratadas con inteligencia y originalidad a lo largo de toda la película, John Cusack – reitero – es tan excelente en el rol que, francamente, me parece insustituible.

Para concluir esta entrada, he aquí mi valoración de las películas que he visto de John Cusack:

En orden ascendente de preferencia:

1. “Los timadores” (1990) A+
2. “Un asesino algo especial” (1997) A
3. “Balas sobre Broadway” (1994) A-
4. “Alta Fidelidad” (2000) B+
5. “Cómo ser John Malkovich” (1999) B+
6. “Un gran amor” (1989) B
7. “… Y que le gusten los perros” (2005) B-
8. “El jurado” (2003) B-
9. “Con Air” (1997) C+
10. “La pareja del año” (2001) D-

20 ACTORES FAVORITOS...

2009-08-13T21:51:00.003-05:00

En realidad yo prefiero a las actrices pero eso no significa que no existan actores admirados en mi record personal.

Mis listas pueden variar con el paso de los años, meses, semanas, días y hasta mientras transcurren las horas, los minutos y los segundos, no obstante, creo que hoy he logrado hacer un buen TOP 20 DE ACTORES FAVORITOS.

Antes de empezar, he aquí los nombres de mis 20 finalistas, aquellos caballeros que consideré seriamente pero que no entraron en mi selección (con el título que representa mi actuación favorita entre paréntesis):

Ian McKellen (“Dioses y monstruos”), Nicolas Cage (“Corazón salvaje”), Tom Wilkinson (“Michael Clayton”), Bob Hoskins (“Mona Lisa”), Dennis Hopper (“Terciopelo Azul”), James Caan (“El Padrino Parte I”), Jeff Bridges (“Una mujer infiel”), Kevin Costner (“Adorablemente enojada”), William Holden (“El crepúsculo de los dioses”), Claude Rains (“Casablanca”), Michael Caine (“Hannah y sus hermanas”), James Stewart (“¡Qué bello es vivir!”), Henry Fonda (“En el estanque dorado”), Edward Norton (“Historia americana X”), Peter Sarsgaard (“El precio de la verdad”), Ben Affleck (“Persiguiendo a Amy”), William Hurt (“Detrás de las noticias”), Sean Penn (“Pena de muerte”), Ethan Hawke (“Gattaca”), Nick Nolte (“El príncipe de las mareas”) y Burt Lancaster (“El fuego y la palabra”).

Y ahora sí… el día de hoy, mis 20 ACTORES FAVORITOS son (en orden alfabético):

Anthony Hopkins (“Lo que queda del día”)

Ben Kingsley (“Elegía”)

Bill Murray (“Perro bravo y Gloria”)

Buster Keaton (“Siete ocasiones”)

Cary Grant (“Mi mujer favorita”)

Donald Sutherland (“M*A*S*H”)

Ed Harris (“Las horas”)

Gary Cooper (“Solo ante el peligro”)

Gregory Peck (“Matar un ruiseñor”)

Gunnar Björnstrand (“Los comulgantes”)
Jack Nicholson (“A propósito de Schmidt”)

Jim Broadbent (“El arte de estrangular”)

John Cusack (“Un asesino algo especial”)

Marcello Mastroianni (“Una jornada particular”)

Michael Douglas (“Fin de semana de locos”)

Paul Newman (“El largo y cálido verano”)

Peter Sellers (“Teléfono rojo, ¿volamos hacia Moscú?”)

Richard Burton (“¿Quién le teme a Virginia Woolf?”)

Robert Mitchum (“La noche del cazador”)

Tim Roth (“Reservoir Dogs”)

Esta lista me satisface, ¡claro que sí!, pero debo decir que la he elaborado sin la pasión con la cual elaboraría mi lista de actrices favoritas, tema que me reservo para una próxima entrada.

Me gustaría saber quiénes son tus actores favoritas y qué opinas de mi lista, por lo tanto no me viene nada mal que te animes a comentar.

¡HOLA!

2009-08-13T20:35:00.000-05:00

Hola.

En primer lugar, muchas gracias… Si estás leyendo esto es porque has ingresado a mi blog y eso es algo que aprecio mucho.

Como a mí me encantan las películas, el cine es el tema principal aquí. Es posible que en algún momento escriba sobre otra cosa, pero no sé…

Mucha gente administra blogs y mucha gente escribe sobre cine hoy en día, por lo tanto lo más importante para mí no es ser la persona más original del mundo ni el escritor más popular de la blogósfera… para mí es más que suficiente que, si te gusta el contenido de mi página, me visites de vez en cuando, comentes y participes cuando te sea posible.

Para mí lo más importante es divertirme en el proceso de administrar este pequeño espacio y compartir puntos de vista.

¡Saludos!